Len Wein encargó a Alan Moore a principios de los 80 que escribiese una miniserie sobre los personajes de la Charlton Comics cuyos derechos DC había adquirido recientemente, en una táctica de fagocitar a la competencia tan antigua como la propia compañía, ya en ese momento propiedad de la Warner, y que ha seguido prolongando hasta nuestros días. Como ya es sabido, Moore les dio un tratamiento tan extremo que Wein le recomendó que les cambiase los nombres para respetar el argumento que tenía pensado, pero que las franquicias siguiesen disponibles para DC.

De esos seis personajes, al menos tres de ellos –Peacemaker (The Comedian), Nightshade (Silk Spectre) y Thunderbolt (Ozymandias)– han pasado sin pena ni gloria por Universo DC. Quizás ella, como miembro ocasional de Shadowpact o el Escuadrón Suicida, ha pasado por ser una secundaria de cierto relumbrón, pero poco más. Los otros dos, que ni siquiera fueron creados directamente por Steve Ditko, –la única gran estrella en su apogeo de la que pudo presumir la Charlton, y quien le dio visibilidad a unos tebeos hasta entonces más bien normalitos–, aparecen de vez en cuando de relleno. Y en el caso Peacemaker, está demasiado contagiado por su reverso mooreniano.

Sin embargo el Capitán Atom (Dr.Manhattan), Blue Beetle (Nite Owl) y The Question (Rorschach) sí que son importantes personajes de la mitología DC posterior a Crisis en las Tierras Infinitas, la historia que unificó todas las franquicias en un mismo universo de ficción. Los dos primeros formaron parte de la Liga de la Justicia Internacional de los guionistas Giffen y DeMatteis –y sí, eso ya se considera un clásico–, y el tercero protagonizó a finales de los 80 su propia cabecera, guionizada por Denny O’Neill, que actualizó y suavizó las líneas básicas del personaje de Ditko. Más tarde, Dwayne McDuffie lo adaptaría genialmente en la serie de animación Justice League Unlimited.

El Capitán Atom recibió un aspecto parecido al del Doctor Manhattan cuando fue ‘asumido’ por el UDC. Sin embargo, su nombre no es sólo para impresionar, de verdad es capitán de las fuerzas armadas de EEUU. Así que, más que un héroe cuasi omnipotente alejado de la humanidad, tenemos a una bomba atómica con piernas y mentalidad castrense. Honrado y esforzado, el cuadriculado Nathaniel Adam ha ejercido de líder del ramal europeo de La Liga de la Justicia, gozado varias veces de serie propia y viajado entre universos en más de una ocasión.

Célebre es la anécdota de cómo iba a ser el villano final de ‘Armageddon 2001’, la gran saga de DC para 1989. Un héroe del futuro regresaba más de diez años en el pasado para averiguar qué superhéroe era en realidad Monarca, el dictador que subyugaba al mundo. El principal candidato, por poderes y mentalidad, era Atom, pero fue tan descarado, los fans lo adivinaron con tanta anticipación –y sin internet, listos–, que la editorial decidió cambiar en el último momento.

Curiosamente, el elegido para sustituirlo sería otra creación de Steve Ditko, aunque no de la Charlton, sino de las que hizo para la propia DC: Halcón, de Halcón y Paloma. Sí, un superhéroe neonazi y otro pacifista, hermanos para más inri, formando equipo, una idea muy propia de Ditko. En la versión moderna, se sustituyó al hermano pequeño por una chica como Paloma, para añadir el giro de la relación amorosa entre ambos.

El segundo Blue Beetle, Ted Kord –digamos el equivalente a Dan Dreinberg–, ha sido el eterno pretendiente de Barbara Gordon, la primera Batgirl, parapléjica por acción de Moore en The Killing Joke y reconvertida en Oracle, la genio informático que coordina a la batfamilia, la Liga de la Justicia y el grupo de vigilantes femeninas conocidas como las Aves de Presa. Que Ted financia, prisionero de los ojos verdes de la hija del Comisario Gordon a pesar de saber que no puede competir con Dick Grayson, el primer Robin, independizado como Nighwing.

Tal y como estáis pensando, Ted, igual que Dan Dreinberg, es un superhéroe pringado. Es un genio de la ingeniería, tiene muchos recursos tanto económicos como personales, y es más ágil, fuerte y rápido que una persona normal. Pero comparado con gente del nivel de Batman o Wonder Woman –de la que también está un poco colgado, aunque, en fin, ¿quién no?–, es un pringado que nunca jugará en las grandes ligas. Y un pagafantas de manual, encima.

Sus más grandes aventuras las ha vivido como dúo cómico con Booster Gold, otro héroe cuando menos especial. Booster es un viajero del tiempo en versión Beef de Regreso al futuro: ¿por qué salvar al mundo pudiendo utilizar la información que tienes sobre el futuro para hacerte rico y famoso? La gracia de Booster es que, siendo un inútil inmaduro, se las arregla con mucha cara, algo de encanto y bastante potra para parecer eficiente. Beetle hacía de payaso serio cuando vivían aventuras juntos.

La muerte de Blue Beetle a manos de su antiguo jefe en la Liga de la Justicia, Maxwell Lord, fue el detonante de la gran saga épica de DC Comics a principios del siglo XXI –luego se les fue de las manos y han hecho una saga épica definitiva cada seis meses–. En ella Ted se revela como un detective más que eficiente cuya pringadez le sirve para darse cuenta de un problema tan subterráneo que escapa de la vigilancia de los grandes. Será Wonder Woman quien vengue su muerte, acabando con Max Lord.

La muerte de Ted Kord fue como deberían ser las muertes en la ficción épica en general y en los tebeos de superhéroes en particular: con sentido dentro de la historia y dignidad fuera de ella para el personaje. Provocó, además, el renacimiento de dos series. En primer lugar, su propia cabecera, con un nuevo Blue Beetle, el divertidísimo Jaime Reyes, que adapta a los tiempos al personaje. Si el de los años 30 eran un arqueólogo que recibe poderes mágicos de un escarabajo sagrado y pelea con mafiosos y el de los años 60 un detective millonario que usa mil gadgets para combatir supervillanos coloristas, el Beetle del siglo XXI es un adolescente adicto a la informática y los videojuegos que utiliza una armadura extraterrestre, mezcla de Peter Parker y un joven Tony Stark.

Y luego está la serie de Booster Gold. El guionista Geoff Johns, que da lo mejor de sí cuando resucita personajes por los que ya nadie daba un duro y se diluye cuando se enfrenta a las grandes franquicias, dio la vuelta al planteamiento de Booster convirtiéndolo en el ‘policía del tiempo’ del Universo DC. Michael Carter, jugador de fútbol fracasado del siglo XXIII, debe salvar el tiempo y el espacio sin que nadie sepa que es un héroe, pues sus enemigos podrían viajar al día de su nacimiento y matarlo en la cuna o boicotearlo de mil maneras.

Así, Booster se convierte en el más grande héroe de todos los tiempos… que debe fingir ser un inútil total ante el resto del mundo para poder cumplir su misión. Es, al mismo tiempo, el tutor no oficial del nuevo Beetle, y juntos tratarán de rescatar a Ted Kord, con desastrosos resultados que provocan. Johns, en la mejor tradición de Peter David –hablaremos de él largo y tendido algún día–, retuerce la premisa básica del héroe para convertirlo en un ciclo trágico: está atrapado por su propio destino y no puede escapar de él, como Barbara Gordon no puede escapar de la silla de ruedas o Ted de la muerte anónima para salvar el mundo. Aunque siempre hay resquicio para la esperanza.

Y, finalmente, The Question. Cuando Ditko se independizó completamente de las grandes compañías –ha roto con ellas de manera definitiva dos o tres veces, digamos que esto fue hacia la segunda ocasión que pegó el portazo–, empezó a autoeditar la aventuras de Mr. A. Ya hemos hablado en anteriores entregas como Ditko asumió las ideas de Ayn Rand. El objetivismo se resume en la frase ‘A=A’, es decir, lo que es, es, nada de relativismo, nada de complejidad. Un delincuente siempre será un delincuente. Mr.A deja morir a los criminales porque ellos solos se lo han buscado. Para Ditko, Mr.A era la versión sin censura de The Question.

Sin embargo, Denny O’Neill primero y Dwayne McDuffie después decidieron convertir al personaje en algo a medio camino entre el Rorschach de Watchmen y el periodista conspiranoico con el que soñaba Ditko pero que nunca fue capaz de ajustar. En su propia cabecera, era un héroe y acababa teniendo razón, y O’Neill le añadió un sentido del humor juguetón y algo retorcido que versiones posteriores no han respetado. También porque el guionista captó rápidamente el paralelismo de su origen con el de Spirit: periodista que finge su propia muerte para escapar de la mafia y usa sombrero y gabardina como parte de su disfraz.

Tras Infinite Crisis, la gran historia épica que comenzó con la muerte de Ted Kord, llegó 52, una aventura semanal y coral, un experimento que no ha vuelto a salirle bien a DC Comics, en el que una de las protagonistas era la ex agente de policía de Gotham City, René Montoya. Surgida de Batman: The Animated Series, igual que Harley Quinn –y del mismo modo que Barbara Gordon nació del Batman de Adam West–, el papel principal de la agente Montoya era darle variedad étnica y de género a un departamento de policía de Gotham que hasta entonces sólo gozaba de dos agentes con nombre y apellidos: el comisario Gordon y el detective Harvey Bullock.

Montoya no tardó en dar el salto a los tebeos ante la popularidad que ganó el personaje, convirtiéndose primero en ayudante de Gordon y luego en compañera de Bullock, al que hacía de contrapeso. Posteriormente, el guionista Greg Rucka empezaría a desarrollar el departamento completo, creando toda una legión de policías, que pasarían de las páginas de la clásica Detective Comics a tener su propia cabecera, Gotham Central.

Entre medias, René se convirtió en objeto de enfermiza obsesión por parte de Dos Caras y esperanza para la redención del bueno de Harvey Dent, una pasión no correspondida dado que la detective –sí, también asciende, y de llevar uniforme de madero de infantería pasa a lucir gabardina, como toda la plana mayor del GCPD–, para hacer honor a la tradición no oficial de la batfamilia, es homosexual. Y dura, muy dura, como debe serlo un policía en Gotham City.

Gotham Central desarrollaba las aventuras de Batman desde el punto de vista de los policías de la ciudad, es decir, de personas normales para quienes los supervillanos no son chistes góticos, sino peligros mortales. Ed Brubaker y Greg Rucka se turnaban los guiones, uno escribiendo el turno de mañana y el otro al de noche. Al final de la serie, el compañero de René, Crispus Allen, moría a manos de un policía corrupto que quedaba libre y ella, destrozada, renunciaba.

En 52, Vic Sage, The Question, aparecía de repente en la vida de una autodestructiva René para redimirla y entrenarla como su sucesora. Por el camino, en una historia mezcla de noir y superhéroes, se presentaba Kathy Kane, la nueva Batwoman y novia de la universidad de la agente Montoya. En la batalla final, y tras la muerte por cáncer de Sage, René asumía el manto y salvaba a la chica.

Aunque Montoya tenía más sentido como ‘persona normal’ dentro del ‘bat-universo’, su conversión fue lo suficientemente convincente para los fans. Sin embargo, luego los guionistas no tuvieron capacidad para darles aventuras a la altura de las expectativas que habían creado, ni siquiera el propio Greg Rucka.

La última vuelta de tuerca sobre The Question llegó tras el reinició total del UDC y la llegada de las New 52!. El nuevo Question no es un periodista que fingió su propia muerte y combate al poder en la sombra, tampoco un justiciero filofascista de moral estricta, ni una detective desencantada que lucha por la verdad y la mujer que ama. Ahora es una fuerza fundamental del universo, emparentada con la mismísima Pandora mitológica y el ya no tan misterioso Phantom Stranger. Un cambio, de personaje noir y realista a ‘mágico’, que está por ver cómo funciona, y que desde luego traiciona completamente el planteamiento original del racionalista Ditko –que, todo sea dicho, también fue el creador de la particular estética del Doctor Extraño de la Marvel–.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Entregas anteriores de EXTRAORDINARY WATCHMEN:

Extraordinary Watchmen (I): ¿A quién pertenecen los vigilantes?: Parte 1 y Parte 2.

Extraordinary Watchmen (II): El montaje del director.

Extraordinary Watchmen (III): El Armageddon de las historias.

Debería, sí, hace bastante tiempo. Pero no quiero engañarnos. Dragon Ball es mi serie de dibujos animados de la infancia. Recuerdo con añoranza las horas pasadas delante del televisor de tubo embobado viendo como Goku y compañía se daban hasta en el cielo de la boca. Entonces, ¿a qué viene esto? Pues a que acaban de estrenar en Japón una nueva película de Dragon Ball y los rumores sobre las intenciones de su creador, Akira Toriyama, parecen apuntar a una vuelta de la mítica serie, así que me he puesto a reflexionar un poco sobre ella.

Lo cierto es que de pequeños no somos conscientes de la calidad de un producto. Podíamos tirarnos horas viendo dibujos animados que, ya de mayores, al volver a verlos nos damos cuenta de lo malos que son. Concretamente, el anime de Dragon Ball es horroroso: pausas eternas, doblaje nefasto y animación floja. Vamos, soy consciente de que el anime de Dragon Ball no lo volveré a ver en mi vida casi con total seguridad. Sin embargo, el manga, su formato original, sí lo disfrute hace poco y volveré a hacerlo. No será el manga perfecto, pero es sencillo, dinámico y terriblemente entretenido. Digo que no es perfecto por que es allí a donde voy. Para mí la historia de Goku debería haber tenido un final concreto, que era genial, pero a Toriyama le pudo el dinero y siguió exprimiendo la gallina de los huevos de oro hasta que lo que quedaba era de latón. 

Dragon Ball (o "boladragon" en nuestra infancia) empezó siendo un manga (esto lo digo por si alguien no lo sabe aún, que hace poco alguien se sorprendió cuando se lo dije...), un manga sencillo, fresco y muy divertido. Con humor, pequeños toques eróticos, que todos (TODOS) los niños agradecían vergonzosa y silenciosamente, y grandes combates por ver quién era el más fuerte. Aquí entra en juego la figura del maestro Mutenroshi (el Duende Tortuga o Mauricio Colmenero, ya me entendéis) que enseña al pequeño Son Goku la mejor lección de su vida: por mucho que te entrenes, siempre habrá alguien más fuerte que tú. Lección que le sirve de acicate para seguir creciendo como guerrero y superar todos los límites en teoría insuperables. 

Goku crece entre aventuras y cada batalla que supera le hace más fuerte, hasta llegar a ser el número uno del universo tras derrotar a Freezer. El título le duró poco. Aquí entro yo exponiendo que éste debería ser el final: el planeta Namek, dañado por la batalla contra Freezer, explota y Goku desaparece en la explosión, PARA SIEMPRE. La lección de Mutenroshi adquiere aquí una fuerza increíble, es dramático y frustrante, tu héroe favorito se va al mismo tiempo que se convierte en el más fuerte. Brutal... Pero Toriyama (o sus editores, vete a saber) destroza ese mensaje. Goku se salva por poco y continúa sus aventuras. La enseñanza de nuestro querido maestro al infierno. ¿Por qué?: marketing, dinero...

¿Cómo? Si Goku es ya el súper guerrero definitivo... Pues no, no lo es. Resulta que puede haber más de un súper guerrero definitivo... Y hay más, tienen varios niveles de transformación (súper saiyan nivel 1, nivel 2, etc...). ¡Ah!, y pueden fusionarse entre ellos. No voy a enumerar y describir todos los niveles y combinaciones que se han hecho desde que Goku se transforma por primera vez en súper guerrero porque es interminable y cada vez más bochornoso. Lo cierto es que después de la saga de Freezer la historia degenera. Cell mantienen levemente el tipo y el monstruo Bu tiene cierta gracia, pero se nota el cansancio y la repetición de esquemas de combates. Dragon Ball GT, que vino unos años después de acabar la historia principal, fue un fracaso del que el mismísimo Toriyama se desentiende (de hecho, asegura que la nueva película estrenada en Japón ignora rotundamente esa saga). Tantas transformaciones, niveles y fusiones han destrozado el esquema original de Dragon Ball. Una lástima.

Si la nueva película tiene éxito, es posible que Goku y Cia vuelvan en formato anime otra vez. Rezo para que no ocurra porque la propia película, apadrinada por el propio Toriyama, no tiene muy buena pinta y digo más, siguiendo la tradición, habrá nueva transformación: súper saiyan GOD (súper guerrero dios, o algo así...). Juzgad vosotros mismos...

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Con eso de que el día del libro acaba de pasar, no puedo resistirme a seguir hablando, un tiempo después de que empezáramos la conversación, sobre uno de los dos causantes de la ononmástica por la que el citado día se celebra el 23 de abril: William Shakespeare (aunque en realidad parece ser que, si bien tanto él como Cervantes murieron el 23 de abril de 1616, no lo hicieron el mismo día, porque en Inglaterra estaba vigente el calendario juliano y en España ya se aplicaba el gregoriano… pero esa es otra historia). Ya hablamos hace meses sobre su discutida identidad y sobre la más aún autoría de sus propias obras. Más adelante hablaremos sobre el contexto en el que se desarrolla su teatro, que se ha tocado mucho en el cine; sobre las comedias románticas que ha inspirado y qué tienen de ficticio y de real; y sobre algunos derivados francamente redículos que el autor o sus obras han inspirado. Hoy, a modo de celebración, me detengo sobre la que probablemente sea su obra más famosa y, por ello, la más adaptada. Sí, obviamente. Hablamos de ésa.

Romeo y Julieta es una de esas historias que todo el mundo conoce, o que todo el mundo cree que conoce, de tantas veces que se han adaptado, referenciado, parodiado o aludido a ellas. A grandes rasgos, todos conocemos los detalles. Romeo y Julieta se ven, se gustan, se casan. En algún momento de la historia interviene un balcón. Pero, mala suerte (muy mala suerte en realidad), sus padres se llevan mal, muy mal, fatal, a un nivel preocupante, aunque el por qué nunca acaba de quedar claro. Romeo y Julieta mueren.

Viene a ser eso, ¿verdad? Romeo y Julieta acaba mal, y toda historia de amantes que acaba mal es, en mayor o menor medida, Romeo y Julieta. Y, sin embargo, más allá de la parodia hay algo grande ahí, cuando uno logra abstraerse de la carga semántica que la obra ha ido adquiriendo a lo largo de los siglos y consigue centrarse, solo en un teatro a oscuras (o en una sala de cine), en ese “caiga la peste sobre vuestras dos familias”.

Sería una experiencia interesante poder ver ese Romeo y Julieta desde la mirada del público isabelino, ese público que tal vez tenía más imaginación que nosotros y que tenía que apañárselas sin escenarios y sin mujeres (argumento éste muy explotado en el cine) para ver a los dos amantes. Sería interesante desnudar el argumento básico que se repite una y otra vez a lo largo de la literatura y el cine hasta recuperar el original, que no lo es, porque en la mejor tradición de su época Shakespeare continúa y recupera argumentos e historias conocidos por todos (basándose, como en otras de sus obras más conocidas, en antiguos romances italianos). En ese momento, que el argumento sea sorprendente no es importante (ya en el título y los primeros versos se nos avisa de que Romeo y Julieta es una tragedia, aunque cuesta creerlo en realidad hasta la muerte de Mercutio; hasta entonces, todo es celebración). Lo importante es el proceso, que consigue que, una y otra vez, si está bien hecho, uno desee que el caballo de Baltasar, el criado de Romeo, se tuerza el tobillo y no llegue a avisar a su amo de la “muerte” de su esposa; o, mejor aún, que al fraile Lorenzo se le ocurra un plan algo menos enrevesado, algo menos estúpido, con menos lagunas, vaya. Pero nunca ocurre.

Si olvidamos el origen de la obra, y el contexto en el que surge, el comportamiento de los personajes resulta, cuando menos, un poquito difícil de entender, y es que Romeo y Julieta se conocen y se casan en un lapso de menos de 48 horas. Queda algo más claro el asunto cuando recordamos que, según el texto, Julieta no tiene aún catorce años (¡no tiene aún catorce años!), y Romeo debe andar por los dieciséis. Sucesivas adaptaciones de la obra (salvo una, que me encanta, y que os comento más abajo), se pasan esto por el forro para poder utilizar a actores famosos, y para que las audiencias, algo más adultas, puedan identificarse con los personajes. Y sin embargo resulta mucho más fácil comprender las acciones de los personajes y el tipo de amor rápido e irreflexivo del que estamos hablando cuando vemos a Romeo y Julieta como dos niños, casi. De ahí, también, que Julieta tenga a su nodriza tan a mano. Si no, ya me diréis. 

Con más de 77 adaptaciones sólo al cine, Romeo y Julieta tiene que ser, por fuerza, uno de los argumentos más versionados de la historia. Acabo con una pequeña guía de las versiones más sonadas…

No tanto por sangrienta, como por bizarra, os traigo una vez más Warm bodies, horriblemente traducida al español como Memorias de un zombie adolescente y en la que el título original de la novela (R y Julie) lo deja mucho más claro. No deja de ser un simple juego de palabras, el conflicto Montescos-Capuletos se convierte en un conflicto, er, zombies comepersonas-personas cazazombies, y, bueno, el tema de la muerte ya está casi resuelto si partimos de que el protagonista está muerto de antemano. Aún así, la tragedia brilla por su ausencia. 

Es obligatorio mencionar West Side Story… aunque falten algunos elementos (suicidios adolescentes y cosas así), el argumento, el conflicto, trasladado a unas bandas callejeras en Nueva York, y el sistema de relaciones que se establece entre los personajes, vienen a funcionar igual. No es mi favorita, ni mucho menos, pero es icónica. 

Nos vamos acercando… la adaptación que realizó Bazz Luhrmann en 1996 tiene muchos defectos (un montaje mareante, cambios de ritmo brutales, algún que otro error de casting…), pero también muchos aciertos. Junto con West Side Story, es uno de los intentos de hacer la historia más contemporánea, aumentando la edad de los personajes y añadiendo en el cóctel drogas y pistolas. Fundamental en la adolescencia de más de una, destacan su Mercutio drag (que después tuvo la suerte o desgracia de acabar en el 747 de Oceanic), la piscina que sustituye al balcón, la divertida banda sonora y, en general, la estética de los personajes, también muy divertida. En este caso, los Capuletos son algo así como latinos un poco horteras, y los Montescos son… ¿horteras con camisa hawaiana?

Uno de los motivos por los que nos acercamos a este tema: este año se estrena la enésima versión de Romeo y Julieta, con un reparto espectacular que incluye a Paul Giamatti y al sospechoso de Homeland, Damian Lewis (que interpreta al padre de Julieta, a la que en 1996 interpretara Claire Danes… volvemos a la interconexión de fandoms), Hailee Steinfield… Se intenta recuperar la edad de los protagonistas, y se opta por un corte clásico. ¿Es necesaria? No, seguramente. ¿La veremos? Sí. Para qué vamos a mentir. Ya nos quejaremos luego…

La versión de Franco Zeffirelli en 1968. He dicho. Se obvian algunos elementos (Paris…) y no es precisamente el mejor Mercutio de la historia del cine, pero los protagonistas son los mejores. Especialmente Julieta, interpretada por una Olivia Hussey de catorce años que es perfecta en el papel. Es la versión más conmovedora, más clásica (me da que la de 2013 busca algo así), y tiene algunos momentos maravillosos. Disfrutad…

Continuará...

Cpt. Flint Baker

Cpt.flint.baker@gmail.com

No me atrevería a decir que es la historia más veces repetida, pero estoy segura de que se encuentra entre aquellas que más veces ha sido contada y versionada.  Caperucita (roja) es un cuento de los de toda la vida, y también una película de animación, y una canción de Ismael Serrano. El madrileño usó al personaje para uno de los temas de su primer disco, que se ha convertido en un imprescindible dentro de su repertorio.

Como puede imaginar cualquiera que haya escuchado alguna vez al cantautor, es una preciosidad… y una auténtica pena de canción, de esas que te dan ganas de ponerte a llorar y, si me apuras, hasta de cortarte las venas. Y es que si Ismael, como reconoce el mismo, no tiene capacidad de síntesis, tampoco puede presumir precisamente de ser la alegría de la huerta.

Él lo sabe, y ha aprendido a convivir con ello, e incluso a reírse del asunto. "La gente es muy ingeniosa en Internet. Hace un tiempo leía un tuit de un chico que decía: "Meterse un disco de Ismael Serrano en el bolsillo y que se te duerma la pierna", comentaba en su último concierto en Granada, desplegando un gracejo que por increíble que parezca hizo que el público se desconojara, sin dejar de preguntarse, eso sí, si se habría comido a Ángel Martín, porque aquello no era normal.

Lo que sí es normal en él es usar en sus letras a poetas como Machado o Neruda, personajes reales (como el Che) o ficticios (como Huckleberry Finn o Ilsa Lazlo y Rick Blaine, los protagonistas de 'Casablanca') o mitos como Casandra. Referencias, referencias y más referencias (algunas evidentes, otras rebuscadas nivel alfa plus) que convierten a Serrano en un paradigma de la intertextualidad, absolutamente consciente, además.

En su afán por establecer una conexión casi mística entre distintos elementos culturales, el madrileño convierte en leit motiv de uno de los discos (el cuarto) otro cuento: Peter Pan. Para él, el final de la obra de Barrie es uno de los más tristes jamás escrito, porque encierra la peor traición para este infante eterno, La traición de Wendy, que creció y se olvidó de su promesa, como muchos de nosotros.

Esta traición, que podría decirse que es (con matices) lo contrario al llamado complejo de Peter Pan, la comete el propio Peter en 'Hook', donde es el propio niño perdido el que ha dejado de serlo para convertirse en todo aquello que nunca quiso ser y que lo hizo huir de su madre siendo un bebé. Porque, sí señores, Peter huyó, aunque casi nunca nos cuenten esa parte del cuento. Él quería ser pequeño para siempre, y no tener preocupaciones ni obligaciones… pero se le olvidó y se convirtió en Robin Williams, cabeza visible de la película de Steven Spielberg, que tiene un reparto en el que destacan Dustin Hoffman, Maggie Smith o el mismísimo Phil Collins.

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Hablamos de adaptaciones y lo primero que pensamos es en los libros que se convierten en películas, pero Homero adaptó los relatos orales sobre la Guerra de Troya a un poema escrito que llamamos Iliada. Virgilió disfrazó su propaganda política de emulación homérica y dio lugar a la Eneida. Casi dos mil años después, los trovadores del amor cortés demostraron que no entendían nada porque no querían y se inventaron amores entre Aquiles y la amazona Pentesilea, aliada de los troyanos. A principios de este siglo, Wolfgang Petersen se descolgó con lo de ‘el primo Patroclo’ y un final en el que aparece un chavalín cargando con un anciano cojo y dice “Me llamo Eneas”.

En 2010 la BBC estrenó Sherlock, la antepenúltima adaptación al audiovisual de la creación de Conan Doyle. El detective londinense es uno de los personajes más explotados de la historia, hasta niveles de paroxismo agobiantes. La serie de TV se estrenó en paralelo con la primera entrega del Sherlock Holmes, de Guy Ritchie, protagonizado por Robert Downey Jr, y la segunda temporada vino sucedida del lanzamiento de su hermana bastarda norteamericana, Elementary, y el psicodélico experimento de Holmes&Watson: Madrid Days, de José Luis Garci.

La magia de Sherlock, aparte de la habilidad de Steven Moffat para crear ritmo desde el guión aunque el director sea lerdo –y que parece haber perdido en Doctor Who, todo sea dicho–, viene de la capacidad para actualizar, dicho sea esto en el sentido más estricto, las historias de Conan Doyle recuperando la capacidad de sensación. Es decir, consiguiendo que este nuevo Sherlock del siglo XXI cree en los espectadores actuales el mismo shock que supuso para los lectores de finales del XIX la creación original.

Evidentemente cuando digo ‘el mismo’ quiero decir ‘lo más parecido posible dadas las circunstancias’, puesto que los lectores in fabula del XXI están o se creen mucho más resabiados que los compradores de periódicos de la city londinense a los que se dirigía el doctor Doyle. Pero los elementos del primer capítulo, ‘A study in pink’, son los mismos que los de la novela Estudio en escarlata, sólo que trasladados casi 150 años en el futuro. Unas circunstancias que además sirven para reivindicar la irónica actualidad de la obra de Doyle.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Recomendación: durante la lectura de esta entrada de blog se recomienda fervientemente escuchar esto.

Una cosa más, en este caso una advertencia: en esta entrada de blog hay spoilers, creo. Probablemente muchos. Aunque si en algún caso ha sido cierto eso de que el destino da igual, lo importante es el camino, es en esta saga, llena de monos, piratas y sentido del humor.

Si nunca has gritado “Detrás tuya, un mono con tres cabezas!” a un enemigo para escabullirte ante sus ojos… Si nunca has dicho, seductoramente, “¿Llevas un recoge-plátanos en el bolsillo o es que te alegras de verme?”… Si nunca has bebido grog hasta hartarte, no has llevado una camiseta en la que se lee “Yo encontré el tesoro de Melée Island”, no has oído hablar del Big Whoop, no sabes lo que es estar atrapado en mitad del océano en un coche de choque, no has sido mangoneado vilmente por Largo Lagrande y has intentado vengarte haciéndole vudú, no has derrotado a la Maestra de la Espada, no has escupido insultos tan icónicos como “Yo soy cola, tú pegamento” o “Qué apropiado, tú peleas como una vaca”, y, hablando de escupitajos, si nunca te has servido del viento para ganar uno, no te emocionas cuando lees la frase “Somewhere in the Caribbean”… En suma, si nunca has escuchado las palabras “Me llamo Guybrush Threepwood, y voy a ser un pirata”, amigo, lo siento por ti. En serio, mis condolencias.

No sabes lo que te has perdido. 

Sep. Monkey Island tiene aventura, humor, terror (bueno… hay muertos), romance empalagoso y ridículo, y un par de canciones muy grandes. Os dejo las dos mejores: la canción de los piratas, que son capaces de rimar cualquier cosa…

…Y el número de los esqueletos danzarines, todo un gran momento surrealista (atentos al “no traten de reajustar sus monitores”) que, a la postre, resulta esconder uno de los enigmas más puñeteros del juego. 

Toda descripción de estas peleas (de insultos) es insuficiente. Mejor les echáis un vistazo:

La dinámica es exactamente la que parece. Tienes que hacerte con todos los insultos del mundo hasta conseguir tenerlos en tu archivo y combinarlos adecuadamente para vencer a los piratas… Una genialidad. Y muy útil en colegios, institutos y similares.

Y eso nos lleva a…

Pues sí. Es mejor que cualquier sudoku que se precie. Además de plantear una aventura divertida, Monkey Island nos regala los puzzles más enrevesados que me he encontrado nunca en un juego. Tanto que, a mis casi treinta años, todavía tengo que echar mano a la guía de vez en cuando… ¡Y es que encontrar la piedra de mechero en la presa tiene lo suyo! Y orientarse en las catacumbas de Monkey Island. Y escapar del interior de la serpiente. Y encontrar la fórmula para dormir a los temibles Caniches Piraña (Piraña Poodles) y poder entrar en la mansión de la gobernadora. Y la calavera prensada. ¡Siempre me atasco ahí! Veréis, estáis en medio del mar, en un barco, con una tripulación nada trabajadora, y para llegar a Monkey Island tenéis que encontrar una calavera prensada… Pero divago. 

¿No os he dicho que la escucharais? Volved a la primera frase de este artículo. 

Ya os he hablado de sus peleas de insultos, el pollo de goma con polea y el baile de los esqueletos, ¿no? Ese pollo de goma marcó a una generación… Si a una persona de entre veinticinco y treinta y cinco años le mencionáis un pollo con polea y sonríe, es que ha tenido una infancia feliz. He dicho.

Y las sorpresas ocultas del juego, como esa única manera que hay de matar a Guybrush, que de verdad sólo aguanta la respiración bajo el agua durante diez minutos. Ni uno más. 

Bueno, más adelante en el primer juego hay otra manera de matarle… Pero es broma.

En suma, algunas de mis cosas favoritas en el mundo. De hecho, es tan divertido que a veces me pregunto por qué no se ha hecho aún una película de Monkey Island. Claro, que hay quien dice que ya se ha hecho. Cuatro películas, en realidad…

En fin, si aún no os he convencido para que juguéis al mejor videojuego que existe, no hay nada que hacer. A todo esto, ¿cuál es el secreto de Monkey Island que da título a la primera entrega?, os preguntaréis. La cosa es que nunca se revela. Yo creo que es una combinación de todo lo anterior. Todo ello dota a esta serie de juegos de un prestigio y un aura de calidad que es muy difícil encontrar. Y son instructivos. Yo aprendí mucho jugando con ellos. Por ejemplo, a vigilar siempre mi espalda. Ahí atrás puede haber un mono con tres cabezas… 

Continuará...

Cpt. Flint Baker

cpt.flint.baker@gmail.com

Hace poco fui a ver El Atlas de las Nubes, la nueva película de los hermanos Wachowski. Me encantó,  como comentaré más adelante. Pero antes, quisiera abordar una reflexión. Os pongo en situación: los Wachowski son directores de mi devoción; no he visto aún Lazos Ardientes,  pero desde  Matrix no me he perdido ni una de sus películas. Sucede que cuando vi por primera vez el trailer de  El Atlas de la Nubes, adaptación de la increíble novela homónima de David Mitchell, recientemente reeditada en español, comencé a contar los día hasta su estreno... y aquí empieza la parte que me preocupa. El dichoso estreno en España se retrasó y retrasó una y otra vez hasta fijarse definitivamente para el pasado 22 de febrero  del presente año. Cuatro meses después que en los E.E.U.U. Bueno, vale, esto puede pasar. Se ha ido estrenando poco a poco en diferentes sitios del mundo durante un lapso de tiempo de 7 meses (desde el 7 de septiembre de 2012 en Canadá  al 20 de marzo de 2013 en Bélgica). Esto es raro en películas comerciales pero no en películas independientes que se tienen que buscar la vida para ser distribuidas decentemente. Esto me lleva a preguntarme: ¿tienen problemas los Wachowski para distribuir sus películas?  

Parece ser que sí. Pero analicemos un poco la trayectoria de estos hermanos que se dieron a conocer con Lazos Ardientes, y que dieron el salto al estrellato y alcanzaron el éxito arrollador con Matrix. Tal fue el éxito de esta cinta que creó estilo y, todo hay que decirlo, sentenció a sus secuelas al fracaso cuando aún no se habían ni planteado. ¿Por qué? Pues porque la primera dejó un recuerdo tan bueno en el publico que las secuelas, sin ser malas películas, no pudieron igualarla. ¡Ostras!. He osado decir que la 2ª y la 3ª NO son malas... bueno, no son peliculones pero son entretenidas y están bien construidas aunque se les vaya la mano en algunas escenas con un exceso de diálogo. Tienen sus carencias, pero de ahí a decir que son malas hay un trecho. Vean The Last Airbender, de Shyamalan, esa sí que es mala, con mayúsculas, MALA. 

En fin, volviendo al tema. Acto seguido tenemos V de Vendetta, aquí como productores, cuyo mayor defecto es tener el comic como referencia. Si no existiera el comic se la consideraría mejor película  de lo que se la considera. Luego llegó Speed Racer... aquí creo que está el problema. Cuando vi el trailer he de reconocer que me asusté un poco. La estética de esta película de carreras es atrevida y muchas veces oí decir que parecía infantil, que qué se habían fumado los Wachowski, que nadie iría a verla después de las dos "infumables" secuelas de Matrix... Vamos, la gente tachó la cinta de despropósito antes de verla. ¿Sabéis cuanto estuvo en los cines de Sevilla?. UNA semana. Superproducción de gran presupuesto, una semana en cartel... Yo fui de los pocos que fue a verla y no me da miedo reconocerlo: para mí es una de las mejores películas de 2008 (y para la más que prestigiosa revista TIME. Curioso, ¿verdad?)

Es familiar y un poco cursi en algunos momentos pero la carrera final me tiene agarrado al asiento cada vez que la veo.

Resumiendo, tras el descontento con la saga Matrix, V de Vendetta y el descalabro comercial de Speed Racer, el público y la crítica parecen haber crucificado a los hermanos Wachowski. ¿Por qué? No han hecho malas películas, ni siquiera son ofensivas ni de mal gusto. Pero lo cierto es que con El Atlas de las Nubes les ha vuelto a ocurrir. Inexplicablemente, se les ha agotado el crédito y su ultima creación ha vuelto a estar solo una semana en los cines españoles (parece que los cines son conscientes del ninguneo de los espectadores hacia estos dos cineastas y la programan en consecuencia). Ignorada, nuevamente. Pues bien, me atrevo a afirmar que Argo, la ganadora del Oscar a mejor película de 2013, es peor película que  El Atlas de las Nubes. No voy a entrar a valorar los premios politizados y los sobres tras los telones, pero si el cine se valorase como tal otro gallo cantaría y el apellido Wachowski no sería tabú en la industria. No os perdáis el trailer. 

Me despido invitándoos a escuchar la banda sonora de  El Atlas de las Nubes. Simplemente brillante, de lo mejorcito en años.

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

No era mi primera vez, sin embargo, lo viví como si lo fuera. La inquietud, el placer, la sorpresa me invadieron hace unos días cuando, haciendo zapping en esas horas de sobremesa y sopor, entre los realities infinitos de Divinity y la película-dramón de Antena 3 me topé con una sordidez incomporable: Superman IV: en busca de la paz.

Mis ojos no podían apartar los ojos de la tele; tanta maravillosidad me tenía atrapada. Los looks ochenteros, la idiotez de las féminas protagonistas o esos diálogos dignos del Siglo de Oro me recordaron por qué para mí Reeves será siempre el único Superman de carne y hueso. Y esto a pesar de que la consistencia física argumental de la película es cuanto menos dudosa (algo que ya le pasaba a otras pelis de la saga, y si no, que le pregunten a Sheldon).

Superman vuela. Ok. Hasta aquí no hay problema. Director y espectador llegan a un acuerdo tácito por el que se acepta esto como principio, al igual que la superfuerza. Estamos ante un pacto de credibilidad emisor-receptor, el mismo que se da cuando vas al teatro, el actor abre un grifo del que brota agua invisible y no te chirría. De hecho, el acto en sí de acudir al teatro supone aceptar ser engañado durante el tiempo que dura la función, y si no consiguen que te creas la historia, te cabreas, porque tú has ido allí para que te cuenten una mentira como si fuera verdad (igual que en el cine).

No es un pacto "porque sí". Hay condiciones, y el acuerdo puede romperse en mil pedazos por múltiples razones, como por ejemplo que el argumento no se sostenga dentro de la lógica del universo en cuestión. Un poner, Doctor Who parte de la premisa de que su protagonista es un viajero en el tiempo cuyo vehículo es una nave con forma de cabina telefónica azul. Cuando me siento a ver esta serie no puedo ponerme a discutir si el viaje en el tiempo es viable científicamente hablando, no tiene sentido; acepto el viaje en el tiempo y la cabina y punto. Ahora, que no me pongan al padre de Los Serrano a moverse por el tiempo y el espacio, porque no cuela (como tampoco cuela que todo sea un sueño de Resines, pero esa es otra cuestión que se solucionaría matando al guionista al que se le ocurrió la brillantez y al productor que dijo que sí, o al productor al que se le ocurrió y al guionista que lo ejecutó, lo mismo me da). (Bueno, no sé si se solucionaría, pero yo me quedaría más tranquila).

Continuará...

Penelope Clesse

penny.clesse@gmail.com

En la tercera entrega de The League of Extraordinary Gentlemen: Century, la batalla final se produce entre Mary Poppins y Harry Potter. La Mary Poppins que aquí se presenta es un cruce entre el referente literario y la Promethea del propio Alan Moore, y Harry es como diez o quince años mayor respecto al que conocemos y está mezclado con el Mark Renton de Trainspotting, con el detalle marca de la casa de ser yonqui de los hechizos.

Mina Murray y Orlando, ya situadas en 2009, asisten como meras espectadoras a una pelea en la que Allan Quatermain finalmente se reúne con su creador, en un último acto de inútil heroísmo. En mitad de la batalla, Harry Potter se saca su otra varita y lo mata meándole un rayo cósmico. Justo dos viñetas después de que se reivindique diciéndole a Mina: “Soy las aventuras que leíste de mí cuando eras niña, no este maldito desastre”.

Páginas antes hemos asistido a como Próspero, desde el Mundo Llameante del Polo Norte, y escoltado por Ariel y Cáliban, les da instrucciones precisas a los héroes de cómo deben enfrentarse al Hijo de la Luna. Un Anticristo creado por Oliver Haddo, el villano de Century, una parodia ya en el original –la novela The Magician de Somerset Maugham, publicada en 1908– de un Aleister Crowley con el que Alan Moore está evidentemente obsesionado.

Haddo ha sido el Dumbledore de una escuela para niños magos destinada únicamente al entrenamiento de su Hijo de la Luna, que ha nacido por la ausencia de vigilancia de La Liga, disuelta desde la desaparición de Mina en 1969. La cabeza de Haddo encerrada en una jaula es todo cuanto queda de él al final, y advierte a Mina y Orlando: el Apocalipsis se ha producido, sólo que ellas –Próspero y Mary Poppins, más bien– han ganado. Controlan el ‘fin del mundo’.

Aunque la última página deja la puerta abierta a que exista un volumen 4 de La Liga –presumiblemente adaptando historias de ciencia ficción–, podemos concluir que es el final de Promethea al revés. Allí los buenos también acababan por dominar el Apocalipsis, que no era sino la transición al mundo donde la ficción y sus efectos positivos fluyen en libertad dentro de nuestro mundo. Uno de los pocos tebeos de Moore con un final feliz.

Un ataque, finalmente, al anticristo Harry Potter que se antoja injusto toda vez que lo remueve de su contexto y le lanza una crítica marginal y cascarrabias. Por supuesto, las aventuras del niño mago de J.K. Rowling pueden ser criticadas, y mucho, y más por alguien como Alan Moore –apuntaré, aunque será tema de otra ocasión, como Harry es una inversión del planteamiento del recluta tipo de los X-Men, es un mutante pijo, que, como en Los Increibles, no pone sus poderes al servicio de un bien mayor, sino que se da por superior al común de los mortales–, pero su planteamiento, al mezclarlo con referentes que no le pertenecen, no pasa de lo ingenioso, y pierde el comentario metatextual que pretende componer.

¿Insiste Moore en retroceder dos pasos atrás, para replantearnos el camino tomado por la ficción mainstream, y por tanto por el subconsciente colectivo? Pero, ¿no es al fin y al cabo, como ya hemos dicho antes, lo que hizo en los 90, cuando los monstruos que fueron él, con su Watchmen y su MiracleMan, y Frank Miller, con su The Return of the Dark Knight y su Born Again, acabaron fagocitando para mal todo el medio del tebeo anglosajón? ¿No es, aunque sea admirable su capacidad de reciclarse, un poco pesado tanto crear para luego criticar las consecuencias de sus propias acciones como si no tuviesen nada que ver con él?

Por supuesto hay otros ‘armageddons’ de la historias que merecería la pena reseñar, aunque no están tan cercanos al tratamiento del Pop! como conjunto que hace Moore en LXG o Promethea. Por ejemplo, el de las fábulas, que plantean tanto Tolkien en El Señor de los Anillos como Michael Ende en La Historia Interminable, y que recoge refractado Bill Willingham en Fables, o Neil Gaiman empapa de erudición pomposa en The Sandman.

Las ficciones, y las ficciones ‘baratas’ antes que otras, pueden liberarnos o esclavizarnos. Pueden encerrarnos en un cubículo muy estrecho y sin imaginación –como era el tebeo de superhéroes de los 90 que Moore combatió con denuedo– o abrirnos horizontes que nunca habríamos imaginado –como ocurre con Promethea, desde el principio hasta el final–. La cuestión es si tenemos la capacidad de asimilarlas, y si estamos dispuestos a pagar el precio que la Lectora de Si una noche de invierno un viajero…, de Ítalo Calvino, critica: traspasar la barrera entre quienes los que leen y los que escriben, y ser los dos a la vez. Y volvernos, como Moore, que añora su paraíso perdido, más poderoso que antes pero sintiéndose mucho más pobre.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Entregas anteriores de EXTRAORDINARY WATCHMEN:

Extraordinary Watchmen (I): ¿A quién pertenecen los vigilantes?: Parte 1 y Parte 2.

Extraordinary Watchmen (II): El montaje del director.

Así pues, celebremos, y hagámoslo a través de Lizzy Bennet y Mr. Darcy, y, como no podría ser de otra manera, sus numerosas encarnaciones en la pantalla a través de los años. Existe una escena, un momento en particular en OyP, que define la relación que se establece entre estos personajes, la base equívoca de su romance, el tratamiento que Austen hace del amor romántico y la descripción de su sociedad inmediata: el baile de Netherfield. Se trata del momento en que Lizzy y Darcy confrontan sus posiciones (acerca del tercero en discordia, ese personaje de dudosa moral que Austen describe en todas sus obras, al que yo llamo El Cazafortunas y que en este caso se llama George Wickham) y comienza a cambiar su relación. Es el momento que todos los lectores de OyP esperan con ansia en cualquier adaptación (ése y el de la declaración, claro…). De la decena de adaptaciones de OyP al audiovisual que existen, dos conozco especialmente.

Una de ellas es la más reciente y está protagonizada por Keira Knightley y Mathew McFayden, ambos buenos actores que tienen las edades adecuadas y, sin embargo, carecen del carisma de sus predecesores inmediatos, de los que ahora hablaré… Esta versión es buena, pero no ofrece casi nada nuevo. Es más, se esfuerza tanto por acercar al gran público el mundo de Austen que peca de simple, y pierde en gran medida una de las mayores virtudes de la autora: su uso del lenguaje. En ese sentido, Lizzy y Darcy no hablan como Lizzy y Darcy, sino como sus versiones de principios del siglo XX, un poco demasiado marisabidilla ella y apático él… Podéis verlos en el baile.

Esta versión hace explícito lo implícito de manera a veces elegante (la ausencia de otros bailarines) y a veces burda (la ironía nada fina de Lizzy…), pero no está mal. No del todo. Pero hay otra versión mejor, mucho mejor, tal vez porque sus seis horas de duración (creo recordar) la convierten en una versión casi literal de la novela que, sinceramente, es lo que los lectores (y, sobre todo, las lectoras) queremos en realidad. Hablo, por supuesto, de la adaptación de 1995 de la BBC (hubo una anterior en los años 60), que protagonizó Jennifer Ehle (recientemente vista en Zero dark thirty, la actriz originalmente destinada a encarnar a Catelyn Tully) y que convirtió en un galán romántico al hierático (y perfecto Mr. Darcy) Colin Firth.

Para cualquier fan de la novela que se precie, ellos son los personajes. Aquí os dejo la misma escena tal y como se retrata, de manera más fiel a la obra, por literal, en la serie. Resulta importante el asunto del baile porque, en ese mercado matrimonial antes descrito, el baile es la única oportunidad de socialización, el mejor escaparate, por así decir. Atentos a la música (una pieza real de la época), al nada sutil plano de las manos y, si queréis echar unas risas, a los demás bailarines. No tienen desperdicio. 

La importancia de OyP en la adaptación de la vida de la autora queda remarcada por la escena final, en la que una Jane Austen envejecida (para los parámetros de la época: debía rondar los treinta y muchos) ante una audiencia muy especial un fragmento de su obra. Lee, por supuesto, de OyP. 

Termino con una breve referencia a las adaptaciones más curiosas que se han hecho de la obra al cine, que son aquellas en las que se ha intentado actualizar, con mayor o menor éxito, el discurso. El problema de intentar llevar a Jane Austen a la época actual es que el mercado del matrimonio georgiano, con esos rígidos patrones de conducta, ya no existe tal cual en nuestro entorno más cercano, y muchas de las implicaciones de la obra (y las motivaciones de las protagonistas, que no sólo quieren casarse sino que lo necesitan) se pierden. Por eso, donde mejor funciona es en contextos muy concretos. Es el caso de la, llamémosla peculiar Bodas y prejuicios, versión Bollywood de la novela que llevó a cabo Gurinder Chadha (directora de la más comercial Quiero ser como Beckham), que lleva a las hermanas Bennet a la India. No deja de tener gracia, aunque es bastante poco sutil en muchos aspectos. Como toda versión de OyP que se precie, tiene su escena del baile, aunque en este caso es el primero, en el que los protagonistas se conocen. Por favor, no os perdáis la adaptación de este rito de socialización al universo Bollywood. Y atentos al actor que interpreta al equivalente hindú de Bingley. A ver si os suena de algo…

Para intentarlo en otro contexto más o menos adecuado, en 2003 se adaptó la novela al cine llevándola a la Utah actual, con el título de Pride and Prejudice, a alter-day comedy, haciendo referencia directa a la Iglesia de los Santos de los Últimos Días. No la he visto, aunque viendo el trailer no acabo de estar muy convencida. 

Existen versiones más extrañas, (creo que hay una que sitúa la historia en Galilea) y ya os hablé en una ocasión de su flirteo con los zombies… Pero sin duda la adaptación actualizada más conocida y exitosa es El diario de Bridget Jones, que incluso tiene a un protagonista masculino llamado Mark Darcy, calcado del original austeniano, que, encima, en la versión cinematográfica del libro interpreta, por supuesto, Colin Firth (de hecho, en el libro se hace referencia directa al visionado de la versión de la BBC por parte de la protagonista). Aquí os dejo lo que sería el equivalente de la escena del baile según Bridget Jones. 

Ah, no. En realidad en Bridget la escena del baile está casi al principio, está muy condensada y cumple una función distinta. Lo que acabáis de ver es, ni más ni menos, que la declaración de Mr. Darcy, que aquí os dejo en la versión de la BBC, calcadita del libro. Disfrutad. 

Por supuesto, no puedo concluir un comentario de las adaptaciones de Orgullo y Prejuicio a la pantalla sin hacer referencia a esa escena tan comentada de la versión de la BBC, esa que Jane Austen no escribió jamás (la escribió, pero sin tantos detalles y, desde luego, sin nadie quitándose la ropa), pero que seguro que pensó. Aquí está. Lo estabais deseando. Además, como decía, esto es una celebración. ¡Felicidades, Orgullo y Prejuicio! Venga, ahora sí, disfrutad. La escena del lago…

Continuará…

 Cpt. Flint Baker

                                                                                                cpt.flint.baker@gmail.com

La pasada madrugada, hora española, del miércoles al jueves se presentó en sociedad la futura y flamante PlayStation 4. Por temas supersticiosos se pensaba cambiarla de nombre pero finalmente la marca PlayStation mucha marca es, así que lo único nuevo en su nombre es un escueto "4". Pero lo cierto es que de tan soñada máquina sólo se vio eso (un número), el que será el nuevo mando, muchos datos técnicos "apabullantes" (lo destaco entre comillas porque es un eufemismo, ya me explicaré más adelante) y muchos vídeos demostrativos de impresión.

¿Mereció la pena tanto hype previo? Y es que durante la semana antes del evento de Nueva York, donde se hizo pública tan ansiada noticia, Sony demostró una gran maestría al dosificar los rumores y consiguió impedir cualquier tipo de filtración (aunque estuviera cantado que sería PS4), algo extremadamente difícil en los tiempos que corren, pero que provocó el previsible aumento hasta cotas estratosféricas de las expectativas de las masas. Al final los jugones nos hemos llevado una gran decepción. Queríamos VER la nueva máquina... 

Ahora bien, pensándolo ya en frío, varios días después, las conclusiones que uno puede sacar de todo esto son varias. Por un lado, Sony mueve ficha antes que Microsoft pero lo hace en falso para provocar que éstos piquen y anuncien una nueva Xbox antes de tiempo. Si es así, Sony podrá replantearse la consola y mejorar la oferta de Microsoft argumentando que la máquina aún estaba en desarrollo. Nos han dado unas especificaciones técnicas, sí, pero qué más da. Para empezar aún siendo potentes no son increíbles, es decir, el PC sigue y seguirá estando por encima y, saque lo que saque Microsoft, Sony podrá tratar de contrarrestar cualquier eventualidad. Todo esto son hipótesis y depende de los movimientos de las compañías, pero lo que me queda claro es que Sony el pasado jueves nos vendió humo. Humo muy bonito, si, pero humo en el fondo. 

Parece ser que la nueva consola no será retrocompatible con los juegos actuales. Esto, a estas alturas, molesta. Teniendo en cuenta que la evolución tecnológica es cada vez más rápida es lógico pensar que la vida media de un consola vaya reduciéndose (aún pienso que compré mi PS3 ayer). Por tanto, un juego que compré hace tres años no podré usarlo en una nueva máquina de la misma empresa. Una máquina que, por cierto presume de ser, la estación multimedia definitiva... Es como comprar un bote de engrasador 3 en 1 y sólo poder engrasar las bisagras de la puerta del cuarto de baño, para la de salón compre 3 en 1 PLUS... En fin, que no van a parar de sacarnos los cuartos.

Gráficamente es una pasada, no hay por qué negarlo. Los videos de demostración son increíbles, llama la atención el trailer de Deep Down, con el motor gráfico Panta Rhei. Pero, como ya he dicho, los PC siguen a la vanguardia en este apartado. No hay que irse a finales de año (época en la que supuestamente saldrá PS4) para disfrutar de gráficos punteros. Ahí tenemos Crysis 3. Ahora bien, dentro del sector profesional todo parecen ser críticas positivas. Parece ser que es fácil y cómodo programar para la consola, asignatura pendiente de PlayStation desde siempre que parece que por fin se ha tomado en cuenta desde Sony. Si es así: ¡bravo!

Mi conclusión es clara: para mí es pronto para una nueva generación. Aún estoy disfrutando grandes juegos en PS3 como Ni no Kuni o Assassin's Creed 3 y esperando como agua de mayo The Last of Us. Siempre he sido de los de comprar la nueva PlayStation el día de su lanzamiento cueste lo que cueste (soy de la Play) pero esta vez siento que la PS3 no ha sido explotada al máximo aún. Por lo tanto cambiare de táctica por una vez y me esperare un par de años.

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Efectivamente, señoras y señores. NO vamos a hablar de los Goya. En este bonito lunes de febrero vamos a dedicarle un ratito a todo un ejercicio de popularización de la cultura pop: las coplas de Carnaval, del Carnaval de Cádiz, concretamente, por la parte que nos toca (que no es que sea mucha, pero nos pilla más cerca que el de Canarias o Badajoz).

'Los de Gris' es la chirigota ganadora de este 2013 del Concurso Oficial de Agrupaciones de Carnaval de Cádiz, que acoge cada año el Gran Teatro Falla. No voy a entrar en lo merecido o no del premio, ni en hasta qué punto lo que se ve sobre las tablas del Falla representa al auténtico Carnaval de Cádiz. Lo cierto es que, nos guste o no, para alguien que no pueda pasearse por las calles de la ciudad de la Bahía en estas fiestas, el concurso, televisado y difundido luego en Internet, es la manera más fácil de acceder a estas coplas carnavalescas.

También llegan a la red muchas de las callejeras ('ilegales' las llaman también), pero son más difíciles de encontrar para los legos y la calidad de la grabación de un móvil nunca puede ser la de una cámara televisiva. Pero ahí están, y llegan a veces a tu bandeja de entrada, provocando sonrisas y no poca confusión. La razón: la gente posee una imaginación desbordante, y necesita crear y compartir historias que adquieren la categoría de verdad absoluta cuando llegan a manos de quienes no han entendido todavía que no te puedes creer todo lo que lees en Internet (creédme. O no…).

Surgen así correos en los que se asegura que de verdad verdadera (te lo juro por Snoopy, que se muera Cocoliso) una agrupación ha sido censurada por el contenido de sus letras y Televisión Española la ha eliminado de su programación y ha quemado los VHS donde se grabó la actuación para que nadie NUNCA se entere de que se han metido con Bibiana Aído. Yo ante esto solo puedo decir: muchacho, ¿cuándo ha televisado TVE el Carnaval de Cádiz? No hay más preguntas.

Estos bulos provocan que cuando se produce un escándalo de verdad (como ha ocurrido este año, en el que la Policía revisó las pancartas que uno de los grupos iban a mostrar sobre el escenario A VER QUE PONÍAN ESTOS TITIRITEROS…), nadie se lo crea. ¿Habéis oído alguna vez la historia de Pedro y el lobo? No hay más preguntas.

El caso es que todas estas cuestiones son secundarias (pero no quería dejar de mencionarlas), porque aquí estamos para hablar de continuismo (en cierto modo, lo que estábamos contando lo es, a su manera). ¿Y qué puede haber más continuísta que usar el musical 'Grease', un artefacto pop en toda regla, como argumento de una chirigota de carnaval, toda una expresión de cultura popular?

Bien es verdad que la historia de Danny y Sandy está tan impregnada en el imaginario colectivo que no debería sorprendernos que aparezca por doquier. De hecho, no nos sorprende, pero el caso es que está ahí, y aunque surgió como artefacto pop, ahora es algo más. Se ha popularizado el elemento pop, el producto de consumo, integrándolo en una manifestación cultural profundamente enraizada en la sociedad (gaditana o andaluza, en este caso) y profundamente (o bastante, al menos) crítica. Para algunos, estaríamos hablando de terrorismo cultural. También tiene que ver con la apropiación o apropiacionismo, un concepto artístico que aboga por apropiarse de iconos ya existentes.

Más ejemplos chirigoteros (sí, hay más tipos de grupos, pero la chirigota, además del más divertido, es muy popular, en el sentido más amplio de la palabra). (No, no tan amplio).

¿Te suena? ¿No? Te doy una pista: 

Exactamente. La chirigota del Love (este año, 'Los optimistas') usaron para su presentación la música y parte de la letra del clásico de los Monty Python 'Always look on the bright side of life', como puede comprobarse al escuchar este fragmento de 'Spamalot' (el musical basado en 'Los caballeros de la tabla cuadrada'), donde vemos que el estribillo es calcadito.

Arriba, un ejemplo de grandiosidad. José Luis García Cossío, más conocido como Selu, es todo un maestro de la ironía, como demuestra en este pasodoble de 'Las verdades del banquero', cuyo protagonista y, sobre todo, su risa apagada, no puedo evitar que me recuerde al (escuálido en esta ocasión) director de Banca de 'Mary Poppins'.

Bueno, bueno, bueno, aquí hay tela marinera que rascar. Para empezar, el nombre de la chirigota, 'Contigo aprendí' (la agrupación de 'El Canijo de Carmona'), que evoca al mítico bolero; en los cuplés, 'Sexo en Nueva York'; en el forillo, un megaestuche de los Pitufos, que viene a ser una popularización de lo pop del tipo que decíamos antes, y que ya ejecutó magistralmente hace unos años esta misma chirigota con 'Las muchachas del congelao'.

Y podríamos seguir, pero vamos a dejarlo aquí, no sin dejar otro pedacito de Carnaval, de las fiestas que a mí en febrero me gustan más.

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Febrero es el mes del amor, o eso dicen todos los banners que nos acosan en Internet, y Continuará no ha podido resistirse al influjo de Cupido. Porque el amor, y concretamente el amor en la ficción, apenas han cambiado desde que un sacerdote romano llamado Valentín se dedicara a casar a escondidas a los soldados romanos (que, por entonces, lo tenían prohibido), lo que acabó costándole la cabeza… El fondo y la forma siguen siendo los mismos.

Y es que en Continuará nos hemos puesto a pensar, buscando la tendencia dominante, la más llamativa, aquella que represente el signo de nuestro tiempo, y nos hemos dado cuenta de que hay algo que sí se repite, un patrón llamativo e innegable… Sí. Lo siento de veras. Voy a tener que hablar de Crepúsculo. 

En cualquier caso, los muertos que se enamoran tampoco son ninguna novedad, aunque las versiones femeninas son infinitamente más interesantes. Ahí está la Clarimonde de Teophile Gautier en La muerta enamorada, un clásico de la literatura breve que nos presenta a esa mujer fatal, mezcla de vampiro y muerta viviente, nunca acaba de quedar muy claro, que, a pesar de que su corazón no lata, se alimenta de las pasiones humanas. Hace pocos años Tim Burton (antes de la perversión post-Disney en la que va camino de convertirse si no pone remedio pronto) nos regaló su peculiar versión de esta obra en La novia cadáver, pero su Clarimonde es Emily, mucho más inocente y nada siniestra. 

Y la pregunta inevitable es: ¿por qué? ¿Por qué esta antigua obsesión con lo sobrenatural, qué lo hace tan atractivo, y, sobre todo, tan recurrente? Nuestros estereotipos no cambian en su esencia, pero varían sutilmente en la forma. En una época en que los príncipes azules ya no engañan a nadie y resultan mortalmente aburridos, lo peligroso añade un plus de interés o morbo. Digo yo. Ésa es la superficie. El fondo es algo más preocupante: lo sobrenatural aporta al romance algo extraordinario, algo inexistente, algo que eleva la historia por encima de las posibilidades reales, creando expectativas desmesuradas. Los receptores de esas historias se escapan de la realidad, se sitúan por encima de ella (y, por tanto, por encima de los que no las reciben). Atentos al tráiler de otro de estos fenómenos, la adaptación al cine de Ciudad de huesos, el primer volumen de la saga The dark instruments, de Cassandra Clare (de quien hablaremos largo y tendido en otra ocasión). Atentos al apabullante término con el que los personajes se refieren a los que no son otra cosa que humanos…

Pues sí. Mundanos, somos mundanos, y ellos son elegidos. Mientras esta moda llega, culmina y, supongo, pasa, desde Continuará nos preguntamos: ¿qué será lo siguiente? ¿qué monstruo o personaje mítico será el próximo infortunado en enamorarse trágicamente de un humano o una humana? ¿Bigfoot? ¿Nessie? Esperamos ansiosos la respuesta. Entretanto, monstruos y monstruas, desde aquí os deseamos un feliz día de San Valentín, como decían en aquella genial y menospreciada serie, Duckula, “seáis lo que seáis”…

Continuará...

                                                                                                            Cpt. Flint Baker

                                                                                                cpt.flint.baker@gmail.com

¿Alguien sabe qué grado de parentesco une al Conde Laszlo de Almásy con Porco Rosso, Antoine de Saint-Exupery o Corto Maltés? Cualquier diría que todos son primos hermanos, o que son la misma persona cambiándose de nombre y de avión oportunamente. Los cuatro desaparecen en las brumas de la Segunda Guerra Mundial peleando por ser los últimos héroes románticos, a punto de ser tragados por la vorágine de la ciencia-ficción, a la que sólo los americanos, como Superman o Indiana Jones, han tratado de adaptarse.

¿No es Laszlo de Almásy, protagonista de El paciente inglés, el mismo Saint-Exupery que retrata Hugo Pratt en El último vuelo, un caballero galante pero introvertido, un héroe contra su propia voluntad, que vuela una y otra vez fascinado por la inmensidad del desierto, en el que se esconden los secretos mismos de la existencia?

Existió un Laszlo Almásy real, que descubrió la célebre Cueva de los Nadadores donde Katherine Clifton encuentra la muerte. Pero Almásy, que no era conde de nacimiento sino que recibió el título por sus gestas miliares, poco tenía que ver con su contrapartida ficticia más allá de ser ambos aviadores y exploradores enamorados del desierto. Para empezar, sí que combatió en la Segunda Guerra Mundial, además en el bando del Eje, aunque dentro del ejército húngaro. Y, al contrario que el personaje que encarnase Ralph Fiennes, era homosexual. Michael Ondaatje lo cogió como plantilla para el protagonista de su novela, pero hizo con él lo que quiso.

(Hoy en día La Cueva de los Nadadores, según su descubridor una prueba del cambio climático ocurrido en el Sáhara en tanto las pinturas debían tomarse como descripciones de la vida cotidiana en el momento que fueron realizadas, sufre serios problemas de conservación. Desde que se rodase la película en 1996, el volumen de turistas se ha ido incrementando exponencialmente, algunos tan cafres que se han llevado pedazos de la pared como recuerdo, en lugar de limitarse a un delicado dibujo como el de Katherine Clifton).

La Biblia, Homero y Heródoto crean el relato de nuestro subconsciente colectivo. Existen otras historias y otros lugares, pero harán falta más generaciones para que alguien como yo pueda asimilarlas. El Conde Almásy viaja con Heródoto, como Kapuscinski. Katherine Clifton es, al mismo tiempo, la esposa de Candaules y una de las princesas occidentales secuestradas con las que comienza el intercambio de golpes entre Europa y Asia que prefigura la guerra de Troya y justifica las guerras médicas y las conquistas de Alejandro Magno.

El final de la película nos muestra a Gina y los piratas como ancianos, y lo narra la misma Fío ya adulta, pero nunca sabemos cuál es el destino de Porco, si sobrevive a la batalla final con la aviación fascista y escapa sin que sepa a volverse de él, si se sacrifica junto a Curtis o si vuelve y se declara al fin a Gina, renunciando a ser un cerdo y aceptando su condición humana -la cerditud de Marco, al fin y al cabo, es una opción, porque "los cerdos no tienen ni país ni ley"-.

Corto Maltés no tiene final. La leyenda dice que Hugo Pratt tenía pensado que Corto participase en la Guerra Civil española, la última guerra romántica de la Historia, quedando ciego en ella, o perdiéndose sin que se conozca su paradero. Tal vez en ella habría coincidido con el Max Fridman de Vittorio Giardino, otro héroe cansado. La misma leyenda afirma que la muerte de Corto, ya anciano, llegaría en el Chile de Allende, durante el golpe militar. Quién sabe. Al fin y al cabo, él mismo se trazó la línea de la vida con una navaja cuando el destino que le había predicho una gitana no le satisfizo.

Así que ni ellos ni Saint-Exupery acaban por morir nunca. Seguramente, el Conde Almásy no los envidie.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Cuando uno lleva un tiempo en esto de ser fan, o, en ocasiones, muy fan, comienzan a ocurrir cosas... De vez en cuando no es más que un chispazo, un levísimo haz de luz que ilumina un rostro o una escena y algo nos resulta de repente familiar. Otras veces, en cambio, es como si se encendiera un foco de repente, dotando a la obra en cuestión, cinematográfica o televisiva, de una nueva perspectiva, a veces hilarante, a veces en cierto modo profunda, y otras veces, la mayoría, completamente desprovista de sentido, pero siempre interesante.

Aviso, va a haber spoilers. Muchos spoilers. Millones de spoilers…

Lo más divertido es que todos, absolutamente todos los fandoms, están interconectados, de manera más o menos evidente. No pretendo presentar aquí una argumentación, solamente una mera divagación: seguir el hilo de un pensamiento y ver a dónde nos lleva, ¿os parece?

Podemos empezar con cualquier fandom, pero lo haremos por uno de mis favoritos. No es el más popular, ni el que más fanfiction o fanart genera. Poca gente de mi generación recuerda la serie original, y el reboot fue breve (menos mal, su brevedad impidió que se convirtiera en Perdidos, y aún así estuvo a punto de perderse en sus disquisiciones pseudoreligiosas). Aún así, ¡qué ratos geniales me hizo pasar! Así pues, empezaremos con Battlestar Galactica.

Cuál es mi alegría cuando, hace un par de días, veo a Helo Agathon, de Galactica, interpretando a uno de los malos de la cuarta temporada de Castle. Castle, esa serie que me encanta y que protagoniza Nathan Fillon, que fue el prota de la hermana lista de Star Wars, la genial Firefly, y que de vez en cuando homenajea a Firefly en Castle, y que se trae a sus amigos, como ese capítulo, no era de los mejores, pero valió la pena, en el que el actor que interpretaba al matón Jeyne en Firefly interpreta al policía matón Slaughter en Castle…

Pero no se acaba aquí. Ahí está ese genial Jason Segel, que interpreta a Marshall en Cómo conocí a vuestra madre, y que es el principal instigador de la nueva versión de The Muppets, en la que, por cierto, aparece en un cameo nada más y nada menos que Jim Parsons. Sí, ese Jim Parsons, el mismísimo Sheldon Cooper, que en esta versión de Los teleñecos es la versión humana de Walter, el hermano de Segel…

Y aún seguimos, porque El Hobbit no es más que la precuela de la trilogía de El Señor de los Anillos, en la que no sólo tenemos al niño de Los Goonies, al menos pirata de todos los piratas de Piratas del Caribe (sí, hablo de Legolas, por supuesto, que, por cierto, comparte cartel con Tito Pulo, de Roma, en la que posiblemente sea la peor versión jamás perpetrada de Los tres mosqueteros..), o al Charlie Pace de Perdidos vestido de hobbit. No, es más que eso. En El Señor de los Anillos está Boromir, que es Eddard Stark.

Y no debemos detenernos en Juego de Tronos, en la que también aparece una criada de Downton Abbey, y el nuevo Conan, y el César de Roma (¿os he hablado de Roma? ¡Decimotercera!) interpretando a Mance Rayder (en la tercera temporada), y Ana Bolena de Los Tudor como una pérfida pero algo talludita Margaery Tyrell, y el mismísimo Bruto de Roma como Edmure Tully (también será en la tercera)… No, además, en Juego de Tronos está Gorgo, la reina Gorgo de 300, que aquí se disfraza de Cersei Lannister. 300, esa peli que tanto me divierte y en la que el segundo al mando de Leónidas es el mismo actor que fuera segundo al mando de los mirmidones de Aquiles, en esa Troya sobre la que el Advenedizo y yo tendremos alguna vez que debatir largo y tendido…

Sí, al final hemos regresado a Galactica, porque tal vez todos los fandom sean el mismo, o sean la misma cosa, o porque todo esto ha ocurrido antes y volverá a ocurrir. Eso decimos. O qué sé yo. 

Continuará…

                                                                                    Cpt. Flint Baker.

                                                                                    Cpt.flint.baker@gmail.com

Bueno, retomo mi senda de los efectos especiales aprovechando que se acercan los Oscars. Voy a tratar de analizar las cinco películas candidatas a los mejores efectos visuales y hacer un resumen de las que se quedaron a medio camino y quizás, para mi gusto, hubieran merecido un poco más. Éste es un apartado de los Oscars muy difícil de pronosticar porque siempre da la impresión de que los académicos no saben valorar los FX de una película y tienden a nombrar ganador al que más simpatías despierte. No pretendo entrar a valorar esto en profundidad así que voy a pasar directamente a repasar los candidatos.

Empiezo por el regreso de Peter Jackson a la Tierra Media. Reconozco que soy amante de la obra de Tolkien y adoro las pelis de PJ, pero siendo justo El Hobbit no debería llevarse este año el Oscar. ¿Por qué? Pues porque es más de lo mismo pero mejor. No estoy quitándole mérito a la labor de Weta Digital, la película es impecable en este apartado (quizás los ojos de los goblins sean un poco raros) pero centrándonos en el caso de Gollum, por poner un ejemplo, éste es una versión 2.0 del de la trilogía anterior. Ahora bien, volviendo al tema de la elección por simpatía de los académicos, es muy probable que se decanten por ésta, no por su calidad como película (que en esto hay opiniones dispares) sino por vivir de la renta de los éxitos de El Señor de los Anillos.

Ésta es el gran descubrimiento del año. Se estrenó sin llamar mucho la atención y poco a poco fue ganándose el beneplácito del público hasta convertirse en uno de los taquillazos de 2012. Es la primera película en muchos tiempo que consigue hacerme dudar de si los animales son reales o generados por ordenador. La vida de Pi aúna destreza técnica con sentido en su utilización, no son efectos porque sí sino que tienen un motivo y dibujan escenas verdaderamente bellas como la aparición de la ballena. Es, sin lugar a dudas, la más merecedora del Oscar.

Si con La vida de Pi tenemos la técnica en favor de la historia aquí la tenemos en el del espectáculo. Medidas escenas de acción que pueden llegar a saturar (servidor las disfrutó como un niño chico). Es tal el despliegue de la película de Joss Whedon que llega a mostrarnos un largo plano secuencia de los héroes en acción que simplemente es apabullante. La película grita: ¡dadme el Oscar, nos hemos gastado una pasta increíble, dadme el Oscar! Pero esto ya lo intentó Michael Bay con sus Transformers y se quedó con las ganas. Es la más fácil de premiar porque no se pueden confundir.

Éste es un caso curioso. La película no ha sido lo que muchos esperaban y sus críticas han sido bastante malas en general (a mí personalmente me gustó, cualquier cosa mejor que las Alien vs Predator...) pero sus FX funcionan a la perfección. Al igual que La vida de Pi no son gratuitos sino necesarios para crearle un marco creíble a la narración. Ridley Scott se esmera tanto en crear ese universo que llega a olvidarse de la historia. Un detalle que gusta mucho es el uso de animatronics (la escena de la cabeza del arquitecto sobre la mesa de autopsias es sencillamente brutal) devolviendo en parte a la saga a sus orígenes en este apartado. Se merece el Oscar y sería justo.

Esta candidatura no la entiendo... No lo entiendo. No sé qué razón ha llevado a los académicos a auparla hasta los finalistas existiendo otras que le ganan por mucho. Este puesto era de El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace de Christopher Nolan que posee mejor acabado técnico pero por alguna extraña razon se ha quedado fuera en favor de Blancanieves. No es que sean malos sus FX, al contrario, mantiene el buen nivel de una superproducción y los enanos están muy bien hechos teniendo en cuenta que sus actores no lo son (esta es quizás su mejor aportación). Pero no veo qué más aporta la película para merecer un Oscar. Destaca más en los apartados de maquillaje y vestuario que en éste.

Brevemente destaco algunas de las que se han quedado a las puertas de la nominación. Por ejemplo El Caballero Oscuro: La leyenda Renace, que es la gran perjudicada por la decisión de nominar a Blancanieves. También tenemos The Amazing Spideman y Battleship, ambas sobresalientes también en este apartado. La gran olvidada John Carter (no entiendo lo que pasó con esta película, no es mala pero se llevó un gran palo en la taquilla) cuyos seres animados tienen el sello Pixar. Y por último destaco una película que por el simple hecho de ser extranjera parece no tener sitio en este apartado: Kon-Tiky, nominada a mejor película extranjera, sus efectos están a la altura de La vida de Pi. Una imagen vale más que mil palabras:

And the Oscar goes to...: La vida de Pi. Creo que de las candidatas es la que más opciones tiene. Aúna talento y sentido, no busca espectacularidad sino belleza. Es, digamos, la pequeña de las cinco y eso siempre gusta mucho. Y, por si fuera poco, detrás está Ang Lee y eso siempre huele a Oscar.

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Con la resaca de los recién entregados Globos de Oro, parece que ya se nos hayan olvidado las nominaciones a nuestros premios Goya y el revuelo que han causado (como suele pasar, por otra parte). La sorpresa de unos, la justa indignación de otros y la alegría de tantos han dado paso al silencio generalizado (con excepciones, por supuesto), porque esto es así, la vida sigue, y ya tendremos tiempo de alabar o despotricar en febrero, cuando se entreguen los galardones.

Yo, sin embargo, he decidido que no quiero esperar a entonces para sacar fuera lo que me ha rondado estos días por la cabeza, al ver la lista de candidatos finales. Más allá de lo acertada (o no) que nos parezca que haya estado la Academia eligiendo a estos y no a otros finalistas, lo que está claro es que las ausencias y presencias emiten un mensaje sobre lo que se supone que es o quiere ser tanto el cine español como la propia Academia. Las casualidades no existen, y no importa que el discurso sea más o menos consciente. Es. Punto. Es un hecho. La cuestión es qué dice ese discurso.

Decía Santiago Segura en la gala de los Goya del año pasado que los académicos eran unos cachondos, y yo creo que no le falta razón. Bajo una capa de fingida trivialidad, el amiguete explicaba con sorna un criterio a la hora de votar que no creo que se aleje mucho de la realidad. Porque, si te paras a pensarlo, ¿qué hace que gane uno y no otro actor un premio? ¿Ser el mejor del año? ¿De verdad? Todos sabemos que no es así. Es cierto que para gustos, los colores, y que hay ocasiones donde el vencedor es más que evidente, pero ay, amigo, otras veces…

Y llevando esto al paso previo, al que acaba de dar la Academia, ¿qué hace que los nominados de este año sean Antonio de la Torre (Grupo 7), Daniel Giménez-Cacho (Blancanieves), José Sacristán (El muerto y ser feliz) y Jean Rochefort (El artista y la modelo)? ¿Cuál es la razón de que los largometrajes que opten a convertirse en la Mejor Película del año sean Blancanieves, El artista y la modelo, Grupo 7 y Lo imposible? ¿Por qué?

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

ALBERTO LÓPEZ.– Si nos vamos más atrás, esto puede ser incluso un capítulo de las novelas ejemplares, o sea, picaresca andaluza, picaresca nacional.

ALFONSO SÁNCHEZ.– Realmente viene de toda esa tradición, de Miguel Mihura, de Valle-Inclán…

AL.– Incluso esperpéntico.

AS.– El único problema que tienen los Álvarez Quintero, y por lo que no han sido valorados como otros autores, por ejemplo Rafael Azcona, es que les faltaba el elemento crítico, aunque como crónica de la época funcionan muy bien.

AL.– Está dentro también del objetivo del entretenedor, y en eso estaban ahí y formaban parte del negocio. Que te impliques más en la crítica o no es una opción, pero sí que es verdad que no se olvidaban del público. Lo bueno que tiene El mundo es nuestro y las pelis que se siguen haciendo, es que cada vez que vaya pasando más el tiempo, las generaciones van a beber más de más puntos de referencia, y eso, en un país como España, que culturalmente es muy rico, aunque no haya una industria cultural sólida, es fantástico. A este hombre [señala a ALFONSO SÁNCHEZ] le cabe todo el cine español en la cabeza. Lo decía Antonio Dechent después de ver la peli [imita la voz y la gesticulación de DECHENT] "Alfonso, te cabe todo el cine español en la cabeza".

ALFONSO SÁNCHEZ (Sevilla, 1978) y ALBERTO LÓPEZ (Sevilla, 1976) conversan con Continuará… durante el Enterismo Tieso On Tour junto a parte del equipo de El mundo es nuestro. Dos de sus acompañantes son DANIEL MORILLA (el novio) y JOSE RODRÍGUEZ QUINTOS (Fermín, el 'hombre-bomba'), miembro de la compañía de teatro Álvarez Quintero durante 15 años. El lugar, un páramo desolado, un multicine donde además de la película sevillana se proyectan la penúltima entrega de Ice Age o Tengo ganas de ti.

ACTO I

AS.– Tiene mucho de Almodóvar, pero Almodóvar es la Mancha. Lo que hace es coger películas que a él le gustan y pasarlas por su imaginario personal. Realmente tú trincas y, estructuralmente, Átame es El coleccionista y Todo sobre mi madre es Opening night. A veces es de poca vergüenza, pero bueno. Creo que cada plano de la película tiene una referencia, tiene el cine de mi vida. En el mundo, las dos cosas que más quiero son mi mujer y el cine, y no sé si por ese orden. Es lo que hay.

El mundo es nuestro tiene algo de La estanquera de Vallecas, de Pulp Fiction o de Dos hombres y un destino. También tiene elementos de Atraco a las tres o incluso la resolución de Evasión o victoria para la huida de los protagonistas. Aunque la comparación más habitual que ha recibido el fenómeno de El mundo es nuestro es con la saga de Torrente.

AS.– En este país no se hace comedia, se imitan los moldes de comedia americanos, tipo Fuga de Cerebros y estas polladas que se hacen para sacar pasta con chavalitos de la tele. Qué ocurre, que cuando sale una comedia, más soez o menos soez, que usa idiosincrasia propia de aquí, que es lo que se hace en la comedia española y tenemos una tradición cultural muy rica, se hace la comparación. Pero es diferente el punto de vista desde el que se arranca, porque en Torrente es desde la parodia de la ficción para contar una realidad, y nosotros arrancamos de una cosa más cotidiana. También hablando de qué Torrente, porque la primera película es una cosa y la saga es otra distinta.

Las comparaciones más elaboradas que ha recibido el estilo apuntan a Berlanga o Tarantino.

AS.– Mucha gente la compara con Capra y es cierto. Qué bello es vivir es una gran fábula sobre la bondad del ser humano, y yo creo que ahora mismo es hacia donde hay que ir. El mundo es nuestro es un drama del carajo, y es España. Pero si tú te pones a hablarle a la gente de prima de riesgo, de tal y tal, desconecta. El público no entiende de números, entiende que a las ocho tiene que entrar a trabajar y que a las seis de la tarde tiene que recoger al niño en el colegio. Si encima como sistema eres tan cruel como para exigirle a un minero, que ha estado a 100 o 200 metros bajo tierra comiendo gases durante 12 horas, que tenga un pensamiento crítico, o le ilustras en un programa de debate con gurús de economía… yo soy el minero, y le pego una hostia a la televisión que me cago en la puta [sic]. Entonces, nosotros hemos intentado hacer una peli muy didáctica, muy a lo Capra.

Todo muy pensado, muy medido.

AS.– Son tres actos, dividido cada uno en dos, cada uno con un planteamiento, un nudo y un desenlace. La estructura es la estructura aristotélica del viaje del héroe, lo que pasa que aquí, en lugar de un héroe, hemos hecho dos. El Culebra y el Cabeza no son ni malos ni buenos, son capaces de lo mejor y de lo peor. Fermín es un tío que se ha metido en un banco cargado de explosivos; eso es terrible, pero tiene una motivación y una humanidad. Yo siempre les dije: ‘tíos, tenéis que tenerles cariño a los personajes cuando acabe la película’.

ACTO II

DANIEL MORILLA.– El 80 por ciento de la película transcurre en un banco. Si no se teatraliza y coreografía, se cae y es aburrida. Entonces, el planteamiento de las escenas es muy teatral, muy de entradas, salidas… muy medidas, muy ensayadas…

AL.– La prensa especializada nos pregunta por la improvisación y tal. Vamos a ver, que sois prensa especializada, tú no puedes improvisar un diálogo a esa velocidad y menos cuando el diálogo es una partitura. Hay cosas que están tan medidas que si cambiabas una palabra, Alfonso te decía 'no, si me quieres colar otra, que me entre musicalmente y no me distorsione el texto'. Porque tampoco es un director que tenga una disciplina muy férrea a la hora de cortarle las alas a la creatividad de los actores.

La cuestión es cómo dominar personajes tan dados a la exageración, por su propia idiosincrasia, como el Culebra y el Cabeza, sin caer en la parodia.

AL.– Lo importante del trabajo de personajes ha sido el mes y medio de ensayos que hemos tenido. Normalmente en cine no tenemos tiempo para eso, porque el cine es muy caro. Cuando te dan la oportunidad de preparar tu personaje durante tanto tiempo, el trabajo cambia. Eso el espectador lo recibe y tú como actor lo notas. En un mes y medio de ensayo ocurren muchas improvisaciones y hay momentos de locura, y cuando algo no es creíble, se corta. El guion de un buen actor está todo lleno de manchurrones, de anotaciones, de historias. Entonces, después de tantos ensayos no se te va a ir la cabeza, porque sabes que es una película que no se lo puede permitir.  

DM.– El tratamiento de los personajes está hecho desde el trabajo más realista posible. Cada uno tiene sus miserias, sus alegrías, pero siempre tratado desde la mayor naturalidad y la mayor realidad posible. Por lo menos yo fue el trabajo que me planteé desde el principio.

JOSÉ RODRÍGUEZ QUINTOS.– Yo durante dos meses, y ahora otros tantos, soy Fermín. Porque desde el primer momento le cogí un cariño enorme al personaje, porque es tan real, hay tantos miles de Fermines ahora mismo... Miras a tu alrededor y ves a tanta gente en la misma situación… Pero afortunadamente a nadie se le cruzan los cables como a este hombre. Muchos no por falta de ganas.

ACTO III

AS.– Lo que he intentado es convertir a los personajes en pequeños dioses. Representan toda una manera de ser y una manera de contar, usando el arquetipo. Fernando Fernán Gómez tiene una frase cojonuda. Dice que lo que deberíamos hacer los artistas es coger las grandes ideas y los planteamientos universales y traerlos a lo cotidiano, para que la gente lo entienda. Creo que eso es un poco lo que hacía el hombre medicina en la tribu. Se iba al campo, se ponía allí a hablar con los árboles, a ver cómo se ponía el sol,  las estrellas… y entonces venía y contaba los cuentos a la gente de la tribu. Creo que eso es la raíz de por qué no funciona el cine actualmente: los artistas nos hemos quedado pajas mentales.  Yo el primero. Hice un corto, que se llama La Gota, que es una paja mental. Fue elegido de los mejores cortos por la crítica ese año y tuvo más de 50 premios nacionales e internacionales. Pero al público no le enganchó. Y yo aprendí mucho. Lo mismo le paso a George Lucas, que en su día se dio cuenta de que con THX1138 no iba ningún lado e hizo La guerra de las galaxias. No hay una película más política que THX1138, pero La guerra de las galaxias es una manera muy didáctica de explicar el bien y el mal.

Convertido en una especie de maquis o bandolero contemporáneo, ALFONSO compara la batalla de proyectos como el suyo con la lucha del Vietcong contra el ejército americano.

AS.– Lo de la guerra de guerillas… a lo mejor nos quedamos simplemente como un momento de echarle cojones. Si no acertamos, porque en esta película yo tengo puesta mi vida ahora mismo, pues espero que quedemos como un icono y que la gente se ponga camisetas con el Culebra y el Cabeza, como hacen con el Che o el MakiNavaja. 'Semos' peligrosos.

En su caso, parece claro que la aspiración del artista debe ser siempre remover las conciencias.

AS.– Pero es que remover conciencias está mal entendido, se adscribe siempre a revolución. No se trata de eso, se trata de sanar el espíritu de la gente. La gente está muy enferma, necesita ver cosas que no son reales para huir de la cotidianidad. La ficción nos ofrece paraísos artificiales. Es un placebo. Ahora mismo no funcionan los dramas porque la gente ya vive un drama. Pero es consciente de ello y sabe que es infeliz. Entonces necesita drogarse. Y lo hace a través de la televisión, a través de ver a Mario Casas quitándose la camiseta, a través de ver Ice Age… Pero es una droga, y una droga importada de EEUU, además. El cine es una estrategia de marketing, y eso los americanos lo saben del carajo. Llevan años y años vendiéndonos su way of life desde allí, todos sus productos y todo lo que ellos hacen.

Si la ficción está funcionando como una droga y la construcción de historias que se defiende en El mundo es nuestro es la que ayuda a crear identidades, entonces la crítica que realizan al cine y la cultura popular actuales es que han pervertido su esencia primitiva.
 
AS.– Por supuesto. La morfina es un paliativo del dolor, pero si la usas para adormecerte, es una droga. La morfina no es mala, es el uso que tú le des. Eso es lo que pasa con el arte. El arte es una herramienta superpoderosa, mucho más de lo que cree la gente, por eso ahora mismo es tan importante.

Continuará...

El Advenedizo y Penelope Cleese

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Eduardo Segura (Oviedo, 1967) es profesor en el Departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universidad de Granada y es uno de los mayores expertos en España y en español, sino el mayor, en J.R.R. Tolkien y el círculo de los Inklings. Aunque lo que más nos gusta cuando vamos a verlo es que tiene la recopilación en tomos completa de El Príncipe Valiente. “Es que he prologado alguno de los tomos”, explica.

En 1997, Segura se encontraba en la Universidad de Saint Louis, en Missouri, EEUU, trabajando en su tesis doctoral sobre Tolkien –“que más que defenderla, tuve que defender a Tolkien como autor que merecía la pena para ser estudiado”– con Tom Shippey, uno de los mayores tolkienistas del mundo, al que además estaba traduciendo al castellano su célebre El camino a la Tierra Media. Cuando New Line se puso en contacto con Shippey, buscando expertos para asesorar en la adaptación de Peter Jackson que daría lugar a la trilogía de El Señor de los Anillos, este recomendó a Segura para que se uniese al equipo.

Un equipo que se dedicaba a discutir con Peter Jackson vía correo electrónico y del que Segura sacó una conclusión “El Señor de los Anillos [ESDLA] es un tipo de narración que no puede acabar de funcionar en pantalla. Aunque fuesen 40 películas en lugar de las tres que se hicieron, el problema es como los personajes pierden al quedarse sin contexto”.

Segura afronta las adaptaciones con la misma esquizofrenia con la que Jackson el guión: “nos preguntaron qué no debería echar de menos Tolkien si viese la película… pero nos avisaron que la hacían para quienes no habían leído el libro”. De la misma manera “Jackson nunca me pareció el mejor director para la adaptación, pero tengo que reconocer que las películas rozan la obra maestra en muchos momentos”.

“Mi crítica no sólo es a Jackson. Es a la paradoja de que los directores que rescataron el cine de Hollywood en los 70, apoyándose en los efectos especiales –Spielberg, Cameron, Lucas, Ridley Scott– dieron lugar a una generación esclava de la tecnología, una trampa en la que ellos mismos han caído, como se ve en Prometheus o la cuarta entrega de Indiana Jones. Es pura pirotécnica. El Hobbit parece más de lo mismo en ese sentido”.

Eso sí, “la tecnología permitió rodar ESDLA respetando la estética de Tolkien, con secuencias brutales cinematográficamente, como la carga de Gandalf en el Abismo de Helm”. Jackson y los suyos “se aceleraban, querían meter cada vez más acción, y ESDLA no debería enfocarse como quien se acerca a adaptar Lara Croft, por ejemplo”.

Continuará...

El Advenedizo

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Watchmen (2009), de Zack Snyder, la película, es una reformulación de derechas del original. O conservadora, como prefieran ustedes formularlo. Lo es porque reconstruye, a partir de los mismos elementos, un mensaje que invita a conclusiones conservadoras, opuestas completamente a las que ofrece el tebeo. Y tiene, además, otro problema. Terry Gilliam ya quiso dirigir la adaptación y no pudo, así que la pregunta de '¿qué habría echo Terry Gilliam con este argumento?' es obligada y catastrófica.

Más allá de la dirección de Snyder, que tiende a espectacularizar un tebeo que en su plantamiento original pretendía ser romo a base de imitar –que no calcar– el estilo de dibujo y parte del diseño de los años 40 –que no el estilo narrativo–, en la opinión de este humilde juntaletras Ozymandias y Búho Nocturno son personajes clave en la interpretación de la película. La relación entre ambos y con el espectador son marcas discursivas que tenemos que analizar para comprender la reformulación que supone la película. Rorschach también se lleva su carga, pero es mucho menos sutil, más directa. Más 300. Parece hecho a propósito.

Ozymandias es claramente hipócrita, decadente, ecologista y gay, nos trata con condescendencia –porque somos Búho Nocturno–. No existen los grises de su versión original, es que es malo y tonto, y punto. En el tebeo, Búho es una persona "normal" a la que la situación lo sobrepasa. En la película, Búho es "guay". En el tebeo, Espectro de Seda se queda con él porque lo quiere por ser normal, una persona con la que puede comunicarse abiertamente. En la película, se lleva a la chica por ser guay. No es ninguna tontería. Es el mismo problema de la adaptación al cine de Kick-Ass, pasan de "ser superhéroe en la vida real sería jodido" a "qué guay es pegar a los malos".

Porque en el caso de Búho Nocturno, tanto Snyder como Patrick Wilson, el actor, interpretan bien que es la encarnación del punto de vista de los lectores –y no Rorschach, que está loco y es una fantasía oscura, o Manhattan, que es Dios y es una fantasía de poder–. Hasta que llega el momento de la revelación –sí, son los trajes, y lo ponen como una moto–, Wilson calca la interpretación clásica de Clark Kent que nos regalase Christopher Reeve en Superman de 1977, es de suponer que a conciencia.

Así, en su "capítulo", Rorschach le reprocha al psicólogo que tenga "sensibilidad liberal". Además, el secuestrador de la niña, en su escena epifánica con los perros, le suplica con un "lo confieso, arréstame, tengo un problema, necesito ayuda, arréstame" y Rorschach, más The Question que nunca, le espeta: "A los hombres se los arresta, a los perros se los sacrifica". Son diálogos que no están en el tebeo, que se añaden para la película, igual que se cambia la muerte del secuestrador y la 'epifanía' de Rorschach del hachazo al perro al hachazo al hombre. Así que no es una elemento gratuito, es un inserción consciente y deliberada y que tiene una interpretación obvia que no podemos intentar ignorar porque no nos apetece.

Aunque quepa aplicarle este análisis a cada personaje por separado, es igual de interesante si se atiende a otros detalles de dirección o de guión. Entre los primeros, que en el tebeo, de un ataque en exclusiva a Nueva York, se muestran imágenes de su cobertura en todo el mundo. En la película, de un ataque a capitales de todo el mundo, al único que se muestra es a Nixon, multiplicado hasta el infinitio por las pantallas de Veidt, emitiendo un mensaje monolítico y unívoco, en contraste evidente y posiblemente buscadocon la confusa multiplicidad de voces en el texto de Moore.

En la misma línea, los ralentizados y demás alardes de acción, que reproducen las técnicas que le saliesen bien a Snyder en 300, aquí no vienen a cuento. Búho Nocturno no tiene que ser impresionante, El Comediante tiene que resultar desagradable y Rorschach rozar lo vomitivo. Convertirlos, sobre todo el primero, en una héroe que reparte estopa y luego pone posturita para quedar chulo es traicionar la esencia del personaje, el significante tras la construcción compleja de la personalidad de Dan Dreinberg, que es de lo que suele ir esto, y no de intentar crear "personajes que parezcan personas", una impostura muy gringa pero muy estúpida.

Continuará…

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Entrega anterior de EXTRAORDINARY WATCHMEN:

Extraordinary Watchmen (I): ¿A quién pertenecen los vigilantes?: Parte 1 y Parte 2.

Vale, sustituir las voces originales grabadas para un audiovisual por otras, ya sea para mejorarlas o para traducirlas a otro idioma. Esto es, resumido y por encima, el doblaje. Creo que no estoy contándole nada nuevo a nadie. Es una práctica que ha tenido detractores y defensores durante toda la historia del cine. Servidor se encuentra entre los primeros, les aviso de antemano. Los detractores argumentamos que un doblaje desvirtúa la esencia de un personaje, que no estamos disfrutando el trabajo real detrás de una película. Los defensores se escudan en que no todo el mundo sabe idiomas, que hay que facilitar que la cultura llegue a todo el mundo. Para eso están los subtítulos, decimos unos. Los subtítulos manchan la imagen y distraen al espectador, claman otros. El eterno debate...

Antiguamente, cuando el cine era mudo, existía la figura del explicador, persona que se encargaba de contar al público lo que ocurría en pantalla e incluso doblaba en ocasiones. Pero luego llegó el cine sonoro y la cosa cambió. Debido al desconocimiento de idiomas generalizado se comenzó a doblar a otros idiomas. Hablamos de 1901 en el caso español, con la película Entre la espada y la pared. Aunque su trabajo de doblaje se realizó en Francia y no fue hasta 1932 cuando se creó el primer estudio en Barcelona, comenzando así la industria de doblaje en España. Con el paso de los años el trabajo de doblaje ha ido evolucionando. Al principio los actores debían aprender páginas de textos que luego interpretaban de tirón. Luego, con la llegada de los medios digitales, los procesos se simplificaron y agilizaron. Ahora se ruedan pequeñas tomas de forma que el actor no tiene que aprenderse el texto, sino los tiempos marcados para encajar las frases. 

Reconozco que se han hecho grandes doblajes, sin irnos muy lejos el Gandalf de El señor de los anillos es soberbio. Por poner otro ejemplo, José Mota ha hecho grandes trabajos poniendo voces a personajes de animación porque no se ha limitado a leer el guión sino que ha hecho suyos los personajes dándoles detalles de cosecha propia. Y es cierto que no nací viendo cine en versión original por lo que ver a Will Smith, Julia Roberts o Clint Eastwood en su idioma natal se me hace cuando menos raro. Pero cuanto más cine, serie o juego veo en su idioma original más estoy convencido de que la invención del doblaje fue un gran error. La defensa de que no todo el mundo sabe inglés no me vale. En una sociedad que ha crecido gracias a internet, en el que, teóricamente, los niveles de analfabetizacion han disminuido y en la que se anima al ciudadano a estudiar idiomas debería darse más relevancia a la versión original, ya sea inglés, alemán o chino mandarín. 

No digo que no se doble nada, sino que haya más versión original y se doble menos y, ya de paso, bien. Porque casos como los de famosetes de turno que doblan a un personaje sin tener ni p... idea de hablar correctamente claman al cielo. 

El caso con el que me encontrado recientemente es el de Los Miserables, que raya la desgana más absoluta e incomprensible. Toda la película esta en inglés con subtítulos en español porque doblar las canciones de este musical ardua tarea es, hasta ahí perfecto. Pero existen cinco o seis excepciones, así porque sí y no sé muy bien para qué. Sin exagerar: media hora de metraje en inglés, frase de DOS segundos doblada al castellano, otra media hora en inglés y vuelta a empezar. NECESITO que alguien me lo explique. Alguien, en las altas esferas, cree que el espectador medio es un imbécil que no es capaz de entender una frase sin importancia cuando lleva toda la película escuchando en inglés y ayudándose de los subtítulos. ¿Realmente era necesario? Me sentí insultado...

No deseo prohibirle a nadie que vea su película favorita en su idioma favorito, pero el día que pueda ver mi película favorita en mi cine favorito y en el idioma que quiera lloraré de felicidad. Mientras tanto me conformaré con el único y pequeño cine en toda una provincia  en el que puedo ver en versión original algunas, que no todas, de mis pelis favoritas.

¡Felices fiestas!

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Aún con la resaca del estreno de El Hobbit a cuestas, continuamos nuestro especial Tolkien con este post, dedicado, no ya a los antecedentes, al proceso de creación, a los efectos especiales o al fenómeno fan, sino al alma máter de nuestro blog: las continuaciones, en este caso en forma de versiones cinematográficas. Y es que la obra de Tolkien ha conocido numerosas traslaciones a otros géneros. Pasando por alto algunos de ellos, como el cómic, género por el que la obra de Tolkien ha pasado sin pena ni gloria (salvo excepciones algo polvorientas, el género más conocido de todos, y el que más tinta nos va a ocupar, es el fílmico, pero no es el único… aunque para ello tendréis que llegar hasta el final.

Las adaptaciones de Peter Jackson, tanto de El Hobbit (sí, ya la hemos visto, y algo me dice que se avecina un post… o más de uno), como de El señor de los anillos (de esto sí que no vais a poder libraros) se merecen, por sí solas, comentarios aparte, por su complejidad y su amplitud. Pero, como decíamos al principio, no sólo el cine se ha nutrido de la obra de Tolkien y ésta, muy recientemente, ha conocido otras encarnaciones: audiolibros, partituras y música inspirada en ella, merchandising ilimitado, postres, calendarios, bestiarios, libros de mapas… Todo tipo de exploraciones y ampliaciones de las obras originales. Sin embargo, no me gustaría cerrar esta breve introducción a las versiones de Tolkien sin mencionar una de las más divertidas: El señor de los Anillos, el musical.

Sí, en serio, existe.

Ya, yo pensé exactamente lo mismo.

Primero: ¿a quién se le ocurrió? Y, segundo, ¿cómo condensar 1.200 páginas de libro en un musical de pocas horas (entre tres y tres horas y media, la duración media de una ópera)?

La respuesta a la primera pregunta es A. R. Rahman, Christopher Nightingale y la banda finlandesa de folk Värttinä, a los que desconocía hasta 2006, cuando el musical se estrenó en Toronto, (aunque es la versión del West End londinense la más famosa). La segunda respuesta es más sorprendente: con relativo éxito, haciendo mucho hincapié a La comunidad del anillo y muy poquito a Las dos torres y El retorno del rey. Se conservan algunos episodios fundamentales (los jinetes negros, la fiesta de cumpleaños, el concilio de Elrond, Moria, Gollum, Lothlorien…) y se eliminan otros (casi todos los personajes humanos, las batallas, de las cuales se conserva una, simbólica, las desventuras de Sam y Frodo en Mordor…). Igualmente, se potencian los personajes femeninos (Arwen, que ejerce casi de narradora, y Galadriel, que pierde su sutileza y se convierte en una especie de hechicera benéfica; curiosamente, el único personaje femenino de Tolkien que vale la pena, Eowyn, está completamente ausente). Sin haberlo visto entero, me resulta imposible hacer una valoración realista de la obra. Sin embargo, y a pesar de todos los prejuicios que pueda despertar, hay algo que se debe reconocer a esta producción: la música tiene un aire innegablemente Tolkieniano. 

Hay mucho que contar sobre las adaptaciones de Tolkien al cine y a otros géneros, tanto que las versiones cinematográficas de Peter Jackson (¡las mejores!) tendrán que esperar. Pero llegarán, sin duda, en próximas entregas de este especial. Las que hemos analizado aquí difieren en su aspecto (más o menos infantil, épico o solemne), en su grado de fidelidad a las obras originales y en su universalidad y capacidad para apelar al gran público (sin entrar en si esto es o no necesario). Pero todas comparten algo: su amor por la fuente original, por su esencia, que se resume en la que, sin duda, es la mejor canción del musical. En serio, sin prejuicios. Escuchadla. 

Continuará...

Cpt. Flint Baker 

cpt.flint.baker@gmail.com

Nunca (y cuando digo nunca es NUNCA) olvidaré el día en que el Cp. Flint Baker me dijo que se iba a celebrar el cumpleaños de Frodo. ¿Qué persona en su sano juicio organiza una fiesta o acude en masa al bar pseudomedieval de turno cada 22 de septiembre a festejar el aniversario del nacimiento de un enano de pies peludos que, para más inri, no existe? Es como si el 10 de agosto nos fuéramos a la tasca del pueblo a celebrar el cumple de Manolito Gafotas. 

El caso es que en su sano juicio no sé, pero haberlas, hailas, y no pocas. No hay más que ver el revuelo que está causando el inminente estreno de la primer parte de El Hobbit, que puede llegar a saturar al seguidor más acérrimo de la saga de Tolkien. Facebook es una mina en ese sentido: lo mismo te encuentras a un tío vestido de algo parecido a Gandalf tocando la gaita sobre un monociclo que una boda rollo élfico en plena sierra de Córdoba. 

Lo de la boda todavía lo consiento, porque, ya que uno normalmente se disfraza para este tipo de eventos, al menos que sea de algo divertido y original. Pero, ¿qué me decís de esto?

¿Pero qué me estás contando? ¿¿EN SERIO?? Si no fuera lo suficientemente bizarra (en el más galo estilo de la palabra) la conjunción del mago con la machacona cancioncita del gordito coreano, Universal se ha puesto tontorrona y estos artistas han cambiado el 'Gangnam style' por un fondo musical cuanto menos inquietante. Flipante, vamos, como lo es también lo de estos chavales, con los que parece que nadie se ha metido de momento. Frikismo alfa plus, con Masacre de prota y Bane o un tranformer como artistas invitados.

Hasta cierto punto, estas cosas hacen hasta gracia. Te echas unas risas y a otra cosa mariposa. ¿Pero qué hacer cuando descubres vía Twitter que, como diría un amigo, el frutero s'a volvío tó nenuco? Y es que el amigo Santi Rodríguez, con ese bigotazo de macho español que tiene, ha puesto de foto de perfil un montaje en el que aparece de laíllo, como si fuera el susodicho Frodo en el cartel El señor de los anillos. 

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

El género de épica y fantasía lleva 50 años luchando entre la infantilización y el plagio de Tolkien. Primero lo hizo en el mundo anglosajón, y luego, al poco tiempo, las invasiones de la cultura pop americana –que cuando quieren algo intelectualmente elaborado lo cogen de Gran Bretaña– se lo contagiaron al resto de la Humanidad. Benditos sean esos perros yanquis.

George R.R. Martin se pone tantas ‘erres’ en la firma como homenaje al maestro, pero es difícil pensar que su obra supone la superación de ‘lo tolkiano’. Es sólo la última iteración, un intento de salto hacia adelante hiperrealista, que intenta convencernos con cada giro y cada muerte que es lo más de lo más. Algo que satura, de tan pesado.

El antecedente inmediato de J.R.R. fue E.R.Eddison. Sí, erre que erre. Su obra La serpiente Uróboros era admirada por Tolkien y es un precedente obvio de El Señor de Los Anillos, en el sentido de reformular elementos de la mitología germánica para ponerlos al servicio de una narración épica propia. Eddison es, quizás, más esotérico que Tolkien, aunque elabora menos genealogías, nombres e idiomas.

Amigo de Tolkien era el estreñido de C.S.Lewis. No creo que sea este el lugar para analizar Las crónicas de Narnia, pero pensad en eso como libros como una rama del mismo árbol que se truncó. Los neandertales se extinguieron, triunfaron los sapiens, que eran otra especie, y aquí estamos. Eso es Narnia respecto a la Tierra Media. Por suerte o por desgracia.

Dragones y mazmorras es un juego de rol creado en los 70 al calor de la popularidad de Conan había recuperado para el género y que pensaba también en los fans de Tolkien. En los 80 daría para una serie de televisión, y en los primeros 2000 para una película de efectos especiales horrorosos con la que Jeremy Irons pagó sus deudas de juego, espero.

A Dragones y mazmorras jugaba todo ‘freak’ digno de tal nombre –os invito a que sigáis esta línea de pensamiento durante un rato– y entronizaba todos los tópicos de Tolkien y de Conan, recreaba escenarios que tampoco es que fuesen la bomba y ponía las bases para el World of Warcraft. Me he saltado pasos intermedios, pero, ¿a quién le importan? La cosa es que todo se vuelve menos sutil, se complica innecesariamente y vuelve al lector-jugador-espectador un poco más tonto, o al menos lo intenta.

Dragonlance es un derivado directo. Sus autores lo crearon como una historia de complemento para los juegos de rol y ahora es una serie de trilogías que se extienden hacia el infinito, atrás y adelante, en una especie de sueño húmedo de George Lucas. Gente que entrena dragones, se pelea y vive mucha pasión desgarradora. No conozco a nadie que lo haya leído todo y siga vivo.

Ya puestos, podemos rastrear todo esto hasta sus versiones Disney, como el tebeo para chicas preadolescentes Witch, que era una mezcla lisérgica entre parafernalia de espada y brujería, estructura de equipo de superhéroes, argumento y dibujo estilo manga y diálogos de serie de instituto. Al final, con su estructura del ‘héroe elegido’ claramente empatizable por lector-niño, Las memorias Idhún, de la española Laura Gallego, encajan en la misma estética, aunque eso mezcla a Harry Potter con Narnia… espera un momento…

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Hoy día estamos saturados de franquicias sobrexplotadas. Tenemos Crepúsculo, Harry Potter, Los Juegos del Hambre, Piratas del Caribe, Ice Age, Madagascar... La lista puede ser más larga si uno se pone a escarbar. Unas se inclinan descaradamente por el amasamiento de fortunas (dividir en dos películas libros que no dan ni para una...), otras respetan más a sus fans pero siempre con las finanzas debajo del brazo y unas pocas, como el caso que nos ocupa, consigue transcender el mero negocio, tengamos presente que siempre lo es, para ser algo más. Porque, aunque haya quien le pese, El señor de los Anillos de Peter Jackson es lo que ni siquiera George Lucas consiguió con su Galaxia: la conjugación perfecta entre obra de autor y puro marketing. Sólo hay que tener en la estantería las ediciones extendidas de estas películas para darse cuenta de que son algo más que una simple sobre explotación de un producto. Esta trilogía es una obra cuidada hasta el más pequeño detalle. Recomiendo ver el material extra de estas películas, tienen un nivel de profundización en la producción de los filmes que raya lo enfermizo y se descubren infinidad de anécdotas y secretos que en muchas ocasiones dejan con la boca abierta. De esta manera descubrí a Peter Jackson describiendo su rodaje como: la película de bajo presupuesto más cara de la historia. 

Una vez apuntalados los cimientos se lanza a programar un rodaje mastodóntico sin precedentes: decide rodar las tres películas de una sola vez (a excepción de unos meses de rodaje extra a posteriori previamente programados para mejorar escenas) durante un año y medio, y se rodea de grandes actores dispuestos a enfrentarse a esa loca aventura. Elijah Wood, Ian Mckellen, Ian Holm, Hugo Weaving, Viggo Mortensen, Cate Blanchet, Sean Bean... La lista es muy larga. Todos ellos se enfrentaron en mayor y menor medida a sesiones maratonianas de maquillaje, sobre todo John Rhys-Davies, que incluía orejas puntiagudas y pies peludos postizos.

Técnicamente las películas abarcan desde los trucos de efectos especiales más artesanales (maquetas, prótesis, distancias entre actores trucadas para enfatizar diferencias de tamaño) hasta los más avanzados (efectos digitales, capturas de movimiento). La trilogía de los anillos puede enorgullecerse de ser un punto de inflexión en el mundo de los efectos digitales al igual que lo fue Parque Jurásico al mostrarnos dinosaurios digitales convincentes. Quizás no tuvieran tanta notoriedad para el público pero la industria supo premiarlo con Oscars y otros premios a nivel técnico. La saga creo técnicas revolucionarias como el programa de clonación de multitudes MASSIVE, software que toma un modelo y lo clona cientos de veces variando sus características y patrones de conducta, de forma que puedes crear un ejército de orcos y ver cómo unos son valientes y se lanzan al ataque y otros, cobardes, huyen despavoridos. Es gracioso ver en los extras de los dvds cómo se producían situaciones cómicas que luego los animadores tenían que corregir. 

Otro software premiado fue Real Flow, programa de simulación de líquidos patentado por los españoles de Next Limit. Éste ya existía y se usó en pelis como Lost in Space y Minority Report, pero fue con El retorno del rey cuando adquirió notoriedad.

Veo que me estoy enredando y contar todo lo que supuso a nivel técnico El señor de los anillos es algo imposible solo realizable en los números extras que acompañan a las pelis en sus ediciones extendidas (reitero: visionadlos, son tan buenos como las películas). Pero antes de despedirme me gustaría reflexionar sobre lo que podremos encontrar próximamente en El hobbit. Sin duda, y por lo que se vislumbra en los diarios de producción que Peter Jackson nos ha ido regalando poco a poco, veremos como mínimo calidad. No creo que sea una revolución sino una evolución, es decir, de todo más y mejor, en 3D y a 48 fotogramas por segundo... Por cierto, esto último de los 48 fps, me parece que ha creado demasiada polémica inútil. El cine tal y como lo conocemos siempre se ha rodado a 24 fps, cierto, pero es que también se ha hecho a 48 fps alguna que otra vez para determinados efectos como puede ser la cámara lenta. No es algo nuevo. Y teniendo en cuenta que a la hora de la verdad podremos ver las películas como queramos porque tanto los cines como los televisores no darán la opción de elegir, entraremos en terreno de los gustos y aquí habrá de todos los colores. Técnicamente lo único que le ha supuesto a Peter Jackson es pagar más por cámaras un poco más caras, pero a mí como consumidor con algo de conocimiento de esto (pienso yo) no me van a vender la moto de que el verlo a 48 fps es algo revolucionario. Yo la veré a 24 fps y en un gran NO-3D, es decir, el normal de toda la vida... Y sé que disfrutaré.

Continuará...

Drender

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Entradas anteriores de la serie:

Tolkien (I): Historia de una ida y una vuelta

“En un agujero en el suelo vivía un hobbit…”

Uno de los comienzos más conocidos de la historia de la literatura, uno de los mejores, uno de mis favoritos (aunque en mi caso leí antes aquél de “Cuando el señor Bilbo Bolsón de Bolsón cerrado anunció que celebraría su undécimo primer cumpleaños…”), y el comienzo más adecuado para este especial de Continuará que se extenderá hasta, al menos, el 14 de diciembre (y quien sabe si más allá), cuando se estrene la primera entrega de la nueva trilogía que Peter Jackson ha preparado sobre la Tierra Media: “The Hobbit, an unexpected journey”. Las demás, “The desolation of Smaug” y “There and back again”, llegarán al cine un año y un año y medio después: diciembre de 2013 y junio de 2014. Sobre Tolkien, sobre la Tierra Media, sobre las diversas adaptaciones que la obra magna de este autor británico que se han llevado a cabo, sobre su contexto y su trasfondo, hay mucho que decir. Con este post, una breve introducción al mundo de Tolkien, comenzamos… 

Los procesos de creación tanto de El hobbit  como de  El señor de los anillos  son conocidos y están documentados, aunque de uno a otro hay un largo trecho, un innegable salto cualitativo. Todo ello se verá reflejado, sin duda, en las dos sagas cinematográficas de Jackson, que serán muy diferentes en temática y en tono: ¿recordáis esas primeras escenas en La Comarca de La comunidad del anillo, alegres y desenfadadas, antes de que toda la tragedia y la oscuridad y los nazgul y la niebla y los planos a cámara lenta y los murmullos siniestros e ininteligibles del anillo, y los primeros planos de Elijah Wood muy, MUY angustiado comenzaran a aparecer, y cómo las echasteis de menos? Pues El Hobbit será, inevitablemente, mucho más La Comarca que Mordor (en cuanto a tono, queremos decir), gracias en parte a la comicidad de Martin Freeman (el Bilbo perfecto), que, parece, ha sido muy explotada en el guión. Aunque algo en las declaraciones de Peter Jackson sobre cómo se han introducido pasajes de los Apéndices, la decisión de alargar la trama a tres películas, y el revelador casting (¿Benedict Cumberbatch como el Nigromante, además de Smaug? Para los que no lo sepáis, o no lo recordéis, el Nigromante es “esa fuerza oscura que crece al sur del Bosque Negro”, que Gandalf investiga durante gran parte de la trama de El Hobbit, que apenas se menciona un par de veces, pero que, sí, efectivamente, es Sauron. Con la voz de Sherlock) me hacen pensar que la Oscuridad se va a intuir, y mucho, en la segunda y en la tercera películas. Pero divago…

Así pues, Tolkien escribió El hobbit como un cuento para niños, no tan diferente de otras historias suyas como Mr. Bliss, o la estupenda Roverandom. El señor de los Anillos, en cambio, es harina de otro costal. ¿Cómo se pasa de un inocente y nada irónico cuento para niños o adultos con un gusto por la aventura y la fantasía, a una trilogía de proporciones monstruosas, épica clásica, reminiscencias nórdicas y bíblicas, y montones y montones de genealogía? El secreto está en la lengua, y en una propuesta editorial.

Sucede que el éxito de El hobbit, algo inesperado, provocó que los editores del libro, George Allen & Unwin, pidieran al eminente profesor “una continuación”, una segunda parte, o, como decimos hoy, en la era post-Star Wars, una secuela. Seguro que no se esperaban lo que vendría: doce años de escritura intermitente (de 1937 a 1949), de un libro que no se publicaría hasta 1955, cuando Tolkien tenía ya 63 años. La respuesta inicial del autor, tras esa primera propuesta, fue que no tenía más que contar sobre los hobbits, (je), que ya había dicho todo lo que tenía que decir sobre ellos… Al parecer, pocos días después contestó con una carta en la que afirmaba que estaba escribiendo una continuación de El hobbit. Pero, ¿hasta qué punto es realmente El Señor de los Anillos una continuación de El Hobbit?

Veamos, ambos libros tienen algunas cosas en común. Para empezar, hay hobbits, e irónicamente aprendemos mucho más sobre ellos en el segundo título que en el primero: sus costumbres, su afición por la hierba para pipa (de nuevo, je), sus peculiaridades (que en El hobbit están sólo apuntadas; de hecho, en El hobbit la única diferencia entre un hobbit y un ser humano, concretamente un ser humano inglés de la campiña de británica de principios del siglo XX, es su altura, y sus enormes pies), y su potencial como representación de “el hombre común” frente a la inmensidad. Frodo es un héroe clásico (y lo defenderé hasta la muerte, que sé que hay muchos haters por ahí), aunque tal vez es el menos hobbit de los hobbits… En fin, hay hobbits y apellidos coincidentes. También hay elfos, aunque de alguna manera los de El señor de los anillos son infinitamente más solemnes. En El señor de los anillos Elrond resulta bastante imponente y toma decisiones muy importantes. En El hobbit, básicamente, tiene un Bed and Breakfast la mar de mono llamado Rivendel. Hay arañas gigantes, y está el Anillo, claro, y por supuesto Gollum, del que se intuye su enorme potencial, pero aparte de eso ambos libros difieren mucho en el tono y en las intenciones. En El hobbit, la Aventura, con mayúsculas, rara vez supone un peligro real, más allá de la anécdota. En El señor de los anillos la amenaza es constante y a una escala mucho mayor. No es una aventura con principio y final, es una epopeya, el puente de Tolkien entre la escritura anecdótica y familiar y sus grandes trabajos, mucho más cercanos a la mitología nórdica que al cuento infantil. De ahí todas las rarezas y, según algunos (con los que no estoy de acuerdo), pasajes extraños y suprimibles en El señor de los Anillos (aún busco a alguien que me explique a Tom Bombadil, eso sí. Se aceptan voluntarios en los comentarios). 

El señor de los anillos es una obra mucho más madura y trágica, en la que Tolkien plasmó algunos de sus grandes temas: la aventura, por supuesto; sus preocupaciones por la conservación de la naturaleza y los peligros de la industrialización indiscriminada (Isengard y los Ents, por supuesto); la guerra de grandes proporciones, y ahí tiene una gran importancia la presencia del joven Tolkien en las trincheras del Somme; y, sobre todo, la lucha del Bien y el Mal, en un sentido bíblico más que evidente. Sin detenernos demasiado en las implicaciones éticas de la obra, que sois libres de discutir, sí resaltaremos que la fe católica de Tolkien proporciona una base consustancial al libro (igual que el protestantismo de C. S. Lewis es el sustrato nada disimulado de su Narnia, y J. K. Rowling vuelca su fe cristiana, sí, en Harry Potter), que por sí solo daría para una o dos entradas de blog. 

Sin embargo, lo que más diferencia a una obra de otra es la sensación de pérdida irrecuperable que embarga a la segunda. El señor de los anillos no es un libro de dragones y tesoros recuperados. En realidad, es al género de la fantasía lo que Sin perdón al western: una obra crepuscular, una despedida. Tolkien, desencantado del mundo, ha presenciado dos guerras mundiales y participado en una de ellas. Cuando El señor de los anillos llega a su fin y se inicia la Tercera Edad, la magia está abandonando el mundo, los hombres se hacen con el control. Los elfos, cansados, abandonan la Tierra Media. Ya no hay lugar en el mundo para ellos. Desde El hobbit ha llovido mucho…

Pero ahora, por obra y gracia de Peter Jackson, volvemos al principio. Un principio que no será tan inocente a medida que avance, que estará manchado por nuestro conocimiento de “lo que sucedió después”, pero que no puedo esperar a ver.

En Continuará, durante las próximas semanas, rendimos homenaje (nuestro particular homenaje) a la Tierra Media, a sus antecedentes y a sus hijos bastardos, a sus numerosas reencarnaciones, y a sus receptores. Porque ya lo sabéis, es uno de nuestros lemas: The road goes ever on and on…

Continuará…

Cpt. Flint Baker

cpt.flint.baker@gmail.com

¡¡NO AL CHANTAJE!! ¡¡NO AL CHANTAJE!!

Pese a que hace mucho que la formación se disolvió, juntos o por separado se han mantenido durante años en el Olimpo del humor. Los hemos adorado, difundiendo su palabra; nos han obligado, los muy cabrones, a hacer apología de la absurdez (a nosotros, y a nuestros padres). Y a cambio los Monty Python, ¿qué nos han dado?

LA VIDA DE BRIAN.

¿Qué?

LA VIDA DE BRIAN.

Sí, sí, es cierto, nos han dado La vida de Brian, la película que financió George Harrison (el Beatle, sí) sólo para poder verla. Y la verdad es que mereció la pena, porque no sólo triunfó en su momento, sino que sigue estando absolutamente vigente. Fíjate si lo está, que UpyD ha versionado una de sus escenas como parte de su campaña a las próximas elecciones catalanas con un parlamentario Toni Cantó liderando una reunión clandestina del Frente de Liberación de Cataluña flanqueado por los actores Miguel Hermoso (madrileño) e Ignasi Vidal (barcelonés).

Y LA 'INQUISICIÓN ESPAÑOLA'.

Ah, sí, la 'Inquisición Española'. ¿Os acordáis cuando era únicamente un mecanismo de represión, en vez de una parodia enormemente referenciada? Reconozco que La vida de Brian y Nadie espera a la Inquisición Española son dos clásicos del pop que tenemos que agradecerles a los Monty Python.

Y EL LORO MUERTO.

SPAM. SPLUNGE… LOS CABALLEROS QUE DICEN ¡NI!

Sí, sí, de acuerdo. Spam no es que lo inventaran ellos (era una carne enlatada de origen dudoso generalizada en la II Guerra Mundial), pero popularizaron el término usándolo en otro sketch del Monty Python's Flying Circus. Splunge sí se lo inventaron ellos, en la misma serie, y en España sirvió para dar nombre a un programa liderado por Florentino Fernández. Y los Caballeros que dicen ¡Ni! son la bomba, la verdad…

Y TERRY GILLIAM.

Sí, Terry Gilliam, eso sí que lo echaríamos de menos si no existieran los Monty Python. El americano del grupo es un auténtico director de culto, porque incluso cuando dirige cintas más comerciales, deja una impronta de psicopatía que lo hace inconfundible y, casi siempre, brillante. Como dice el Advenedizo, cuando no tengas claro si una película es mala o buena, hazte la siguiente pregunta: ¿qué habría hecho Terry Gilliam con este guión?

UN PEZ LLAMADO WANDA.

Y LAS SERIES DE VIAJES DE MICHAEL PALIN. Nadie ha hecho documentales como él, la verdad.

Bueno, pero aparte de La vida de Brian, la 'Inquisición española' y el 'loro muerto', spam, splunge, los Caballeros que dicen ¡Ni!, Terry Gilliam, Un pez llamado Wanda y la serie de viajes de Michael Palin, ¿qué han hecho por nosotros los Monty Python?

NOS HAN HECHO REÍR…

¿Reír? ¡Que os folle un pez!

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Cada uno se imagina el fin del mundo como puede. Para esa secta judía milenarista que eran los primeros cristianos, no quedaba más remedio que pensar que estaba a la vuelta de la esquina, era la única manera de coaligar el judaísmo rabínico con el concepto del Mesías griego que les iban colando poco a poco los discípulos de San Pablo. Qué cabritos. Así que el Apocalípsis era lo mismo un código encriptado que un mensaje del rollo “tranquilos, que aunque os torture y odie todo el mundo, el fin está cerca”. Cuando te están quemando en el circo, con Nerón sin saber que iba a inspirar Quo Vadis? o Murena, esa idea ayuda.

Slavoj Zizek analizó en 2006, con hiperbólica y marxista maldad, la película Hijos de los hombres, del mejicano Alfonso Cuarón. Protagonizada por Clive Owen y con Michael Caine y Julianne Moore como secundarios de lujo, retrata un mundo, en el año 2027, en el que la Humanidad al completo se ha vuelto estéril, donde el terrorismo campa a sus anchas y el protagonista debe proteger a una chica de 18 años embarazada que representa, quizás, la última esperanza del mundo.

Es un fin del mundo a cuentagotas que Zizek identifica como el anunciado por Friedrich Nietzsche, no un fin del mundo real, físico, sino metafórico, encarnado en el nihilismo de unos Últimos Hombres faltos de espíritu. Contra esa esterilidad espiritual combate el protagonista de la película de Cuarón, que despierta de su letargo pasota –ni siquiera un atentado terrorista en la cafetería de la que acaba de salir y del que se libra de milagro lo perturba– gracias a la visión de la última mujer embarazada del planeta. Una epifanía cuyas implicaciones religiosas no se evitan y que viven varios personajes más a lo largo del filme.

Una conclusión parecida es a la que llega William Whithey Gull, el Jack el Destripador de Alan Moore y Eddie Campbel en From Hell, cuando durante su último asesinato ritual, el de Mary Kelly –o no–, accede a un estadio de conciencia superior y se ve transportado a una moderna oficina de finales del siglo XX, el momento en que el cómic fue escrito.

Pero ese no es el problema. El problema es el que refleja Revolution, aún menos de diez episodios, la última serie anunciada como el último trabajo de J.J.Abrams. Un día, de repente, sin explicación alguna, pero está claro que con algún tipo de conspiración bizantina detrás, desafiando todas las leyes de la física, se acaba la electricidad. Tal cual. La civilización se hunde y en los antiguos EEUU florecen repúblicas de espadas y mosquetes con estética que recuerda a la de la Guerra de Secesión.

Es un planteamiento que parece sacado de la Edad de Oro de la ciencia ficción, paralelo al de Y: El Último Hombre –una extraña plaga acaba con todos los mamíferos que portan el cromosoma Y de golpe y sólo sobrevive el protagonista, Yorick, y su mono Ampersands–, pero que se revela en toda su estulticia metafórica cuando uno de los protagonistas confiesa su pasado como directivo de Google y explica cómo, después de aguantar abusos en el instituto y conseguir “ganar” a los matones gracias a su inteligencia, se siente aterrorizado por este nuevo mundo porque los matones vuelven a mandar.

Cabría mencionar que el personaje es el único ‘no guapo’ del grupo de protagonistas, un gordo inverosímil dentro de la civilización de huertos y economía de subsistencias que se desarrolla tras ‘el apagón’. También que sólo vemos escenas de lucha sobre los escombros entre señores de traje o madres en vaqueros, nunca que pasa con los verdaderos pobres. Pero ellos no ven la tele. Los muy pringados no tienen una en el cajero en el que duermen.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

He aquí un secreto acerca de quien suscribe esta entrada: aunque a veces se esfuerce en negarlo, siente un profundo amor hacia el musical en todas sus formas (teatro, cine, serie), especialmente hacia el musical posterior a los años 80 del pasado siglo.

Ya está. Ya lo he dicho.

Una vez hecha la confesión, que tendrá numerosos ecos en futuras entradas (sí, me mantengo en mi intención ya manifestada en alguna ocasión de explicar, via este blog, por qué Glee es una estupenda serie, mucho más inteligente de lo que parece a simple vista), me detengo, en esta ocasión, en uno de los musicales más llamativos, para mí, de los últimos años, por varios motivos: se trata de un musical bastante famoso en Gran Bretaña y Estados Unidos, pero que por su caracter transgresor nunca ha llegado a calar tanto ni a adquirir la repercusión de los que llevan la marca de la factoría Disney, ni de los más clásicos. En parte, se debe al fondo, ya que es una comedia absurda con tintes negros, negrísimos, y, en parte, a la forma, que requiere a mecanismos que apelan a nuestra infancia para exponer un discurso muy, muy adulto, (del nivel de las comedias, tan en boga hoy, del tipo de Seth McFarlane, creador de Padre de familia y demás). Es muy realista, aunque, viendo sus pósters, nadie lo diría. Y se dirige a un público muy concreto, quizás en exceso… Todo eso ha reducido su impacto de manera inmerecida. Me refiero, ya lo sabéis por el título, a Avenue Q, hasta hace ahora un año en cartel en Madrid. 

La sexualidad está muy presente en el musical, como no podría ser de otra manera (¿alguna vez habéis visto a dos marionetas mantener relaciones sexuales? ¿no? ¿queréis hacerlo? Avenue Q no se anda con rodeos), pero no es el único tema: también están el racismo, la frustración laboral, la multiculturalidad, diversos tipos de adicción… Un ejemplo de ello es Trekkie Monster (imaginaoslo en azul), un monstruo peludo que apenas sale de casa porque se pasa el día entero en su apartamento… viendo porno. 

Como todo héroe contemporáneo y postmoderno que se precie, Princeton se equivoca una y otra vez, en todas sus elecciones: de novia, de carrera, de vivienda… así una y otra vez, hasta que llega a plantearse la necesidad de regresar al origen, a ese punto de nuestras vidas en el que las expectativas aún no han sido traicionadas y todo un mundo de posibilidades se abre ante nosotros. De nuevo, os lo pido: escuchad esto, queridos lectores que habéis estudiado o no, que habláis idiomas, que tenéis masters y postgrados y doctorados por doquier, y decidme que no os sentís aunque sea un poquito identificados. 

¿Por qué es importante Avenue Q, aunque haya pasado desapercibido? Porque, lo repetiré una vez más, cuenta nuestra historia. Es interesante, desde el punto de vista escénico, por el terrible esfuerzo que exige a los actores, que interpretan varios papeles simultáneamente al tiempo que manejan los muñecos; que realizan un trabajo tan bueno que, al cabo de un rato, ni siquiera les vemos sobre el escenario, los personajes son las marionetas. Podríamos hablar sobre la interesante propuesta de suspensión de la incredulidad que hace este musical, sobre su enorme comicidad, y sobre su reflexión sobre la importancia de la autonarración y cómo contar nuestra historia nos cura de ella. Pero, sobre todo, es un reflejo de nuestra generación, de la inmediatamente anterior y de la que vendrá. Es el retrato fiel de lo que nos pasa, de esa insatisfacción que, inevitablemente, nos hemos encontrado de repente. Porque el héroe, aunque hable idiomas y tenga una o dos licenciaturas, no está sólo en el mundo, y las promesas que funcionaban en la infancia pierden su valor en el doloroso tránsito de la adolescencia a la vida adulta. Avenue Q recupera los temas clásicos de la literatura y nos los presenta de nuevo, traducidos a nuestro idioma. Es la historia de siempre, la nuestra. Pero con muñecos.

Continuará…

Cpt. Flint Baker

Cpt.flint.baker@gmail.com

Hace unos días me encontraba paseando por los pasillos de la Casa del Libro de la Gran Vía cuando descubrí que me faltaba algo. Ese algo me sorprendió y me entristeció. Me sorprendió el hecho de estar buscando entre las novedades editoriales la nueva novela de Michael Crichton y darme cuenta de que ¡oh!, murió hace ya cuatro años y yo sigo pendiente de sí ha salido algo nuevo de él... Eso me entristeció mucho. Es cierto que desde su fallecimiento han salido algunas novelas suyas a título póstumo revisadas por otro autor, pero no es lo mismo. Además, algo me dice que este goteo se acabó.

Como autor de best-sellers podría decirse que se adapta al molde del típico autor famoso que encadena éxito tras éxito y con una estrecha relación con Hollywood. Un gran éxito profesional pero una vida privada algo errática. No en vano se divorció cuatro veces y sólo tuvo una hija. Uno de sus personajes, el excéntrico matemático Ian Malcolm de Jurassic Park parece ser un guiño a sí mismo. "Siempre en busca de una ex-señora Malcolm", este personaje se le parece tanto físicamente como ideológicamente. Siempre con tendencia a la rebeldía. Otro personaje de ficción que se le parece es Richard Castle (de la serie del mismo nombre, Castle): éxito literario, ligón y adaptado en Hollywood. 

Pero sus pasos en Hollywood no se limitaron únicamente a ver cómo adaptaban sus novelas manos ajenas. En muchos de los casos se involucró como guionista, como el citado caso de Jurassic Park de Spielberg, en el que adaptó su propia novela y obtuvo varios premios, incluyendo el Oscar (pero no por guión, sino por Mejor Desarrollo Técnico). También se atrevió con la dirección y tiene en su haber seis títulos entre los que destacan El gran robo del tren (1979) con Sean Connery como protagonista y Westworld (1973), que curiosamente es la primera película de la historia en usar efectos especiales generados por ordenador.

¿Y qué tienen en común Arthur Conan Doyle y Crichton? Pues parece ser que más de lo imaginado a simple vista. Aparte de que Crichton afirmara más de una vez que Conan Doyle era una de sus mayores influencias, ambos fueron médicos que mutaron en escritores, que se nutrían de la ciencia y lo paranormal, y ambos escribieron sobre dinosaurios (Conan Doyle escribió El mundo perdido y Crichton le homenajeo en su segunda parte de Jurassic Park, del mismo título). Ahora bien, Crichton fue bastante más allá en su aspecto científico. Todas sus novelas se han caracterizado por una concienzuda investigación científica que luego es utilizada en una obra de ficción, esa investigación solo sirve de base para el argumento pero a partir de aquí el autor se toma licencias creativas. Pero en 2004 tocó un tema muy delicado, el del cambio climático, en su novela Estado de miedo. Aquí varió su tendencia y avisaba de que era una novela en la que todos sus personajes y localizaciones eran ficticias pero sus datos en los pies de página eran todos correctos y verdaderos.

Es un cambio sutil que se entiende al saber la postura de Crichton sobre el cambio climático. Él se mostraba escéptico ante las afirmaciones sobre el cambio climático y el calentamiento global, y así lo hacía ver en conferencias a las que comenzó a asistir a raíz de la publicación de su libro y las críticas hacia éste. Defendía, básicamente, que el consenso de la comunidad científica en favor de la teoría del cambio climático era cuanto menos absurdo porque no podemos evaluar ni predecir cómo será el futuro. Y opinaba que la ciencia comenzaba a estar demasiado politizada y atacaba a la prensa por su opinión desinformada y su sensacionalismo. Todo esto revelaba su activismo escéptico cada vez más evidente con cada novela que escribía. Con esta postura, radicalmente opuesta a la de la opinión pública, enturbio su fama y credibilidad durante sus últimos años, a pesar de advertir una y otra vez que sus datos científicos son contrastados y veraces. Parece que vivía su propio tecno-thriller luchando contra lo que él consideraba una desinformación de la opinión pública.

Personalmente opino que se le ha desacreditado injustamente. Cierto es que no se debe creer los datos que nos proporciona al pie de la letra pues, como él mismo indica, la mayoría son teorías. Un ejemplo: después de Jurassic Park, muchos creían que era posible clonar dinosaurios a partir de ADN rescatado de mosquitos fosilizados (yo deseaba que así fuera), pero lo cierto es que el hecho de rescatar ese ADN no es tan fácil como en la novela. El mismo Crichton afirmaba que es una teoría. Ahora bien, a no ser que se me demuestre que algo es tan cierto como que dos más dos son cuatro, no creo que se deba creer al cien por cien una teoría como la del cambio climático de la misma forma que no debo creer que es posible devolver a la vida a un dinosaurio. Los datos científicos apoyan ambas teorías, pero son sólo teorías. No quiero decir que el calentamiento global sea falso, mi intención es sólo centrarme en defender a Crichton en el sentido de que sus teorías pueden ser tan válidas como las de cualquier otro. Salvando las distancias, recordad a Galileo...

Bueno, teorías aparte, mi intención con esta entrada es la de recordarle como fue para mí: una fuente de ideas increíbles, ciencia y diversión. Supongo que seguiré buscando entre las estanterías de las novedades su nuevo libro siempre que vaya a una librería, aunque no lo vaya a encontrar. No se me ocurre mejor homenaje para este autor que tantos buenos ratos me ha dado.

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

El pasado viernes se cumplieron nada menos que 50 años del estreno de la primera película de la saga del archiconocido agente secreto (paradójico, pero real) James Bond, el personaje creado por el novelista Ian Fleming en 1962. Conocido ya sobre el papel, la personificación en la piel de Sean Connery y sus posteriores encarnaciones cinematográficas han otorgado una dimensión tal a 007 que el escritor probablemente nunca llegó a imaginar (ni a ver, casi, pues falleció en 1964 con 56 años), erigiéndolo como uno de los iconos 'British' más internacionales.

No es de extrañar, por tanto, que el espía con 'licencia para matar' se colara en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, la cual recogió un compendio de símbolos del país, que ha brindado al mundo un buen número de los iconos pop indiscutibles, entre los que está, obviamente, James Bond.

El tipo duro del servicio de inteligencia británico no es, sin embargo, el único elemento 'British' que se ha colado en el imaginario colectivo de la sociedad occidental (y prácticamente del 'mundo mundial', como diría Manolito Gafotas). Musicalmente hablando, por ejemplo, es imposible hablar de cultura popular y no hacer referencia a los Beatles, que precisamente el viernes también estaban de aniversario, ya que se cumplían otras cinco décadas de la publicación de 'Love me do', el primer gran éxito del cuarteto de Liverpool.

Del mismo modo, no se puede hablar de iconos 'British' musicales y olvidarse de los Rolling Stone (que nadie se enfade, aquí hay sitio para todos), mil veces referenciados, versionados, utilizados, etc., a través de las formas y maneras más dispares (desde una incursión en Los Simpson a una revista con su nombre). Y eso que estos están todos vivos y de los Beatles sólo queda Ringo (sí, se supone que Paul McCartney no ha muerto, pero yo no termino de creérmelo del todo).

También constituyen todo un clásico auténticamente 'British' del pop los Monty Python, y a las pruebas me remito: NADIE ESPERABA LA REVOLUCIÓN ESPAÑOLA, pero llegó en forma de acampada 15-M, un movimiento que dio la vuelta el mundo con una paráfrasis pythoniana como lema. Y es que esta panda de colgados (sin ofender, es que creo que es una manera bastante fiel de definirlos) son muy de su país, pero las fronteras las cruzaron hace tiempo, no ya por lo conocidísimos que fueron y siguen siendo, sino por la influencia que han ejercido en la conciencia colectiva de varias generaciones (por ejemplo, los guionistas de Padre de familia, que los referencian en reiteradas ocasiones).

Una influencia que ejercen sin que mucha de la gente sea consciente realmente del origen de la misma, respondiendo, supongo, a la idiosincrasia del pop como popularización (valga la redundancia) de elementos culturales. Algo que ocurre también con la máscara de Guy Fawkes, utilizada por Anonymous y, por extensión, por el citado 15-M. En general, se piensa en Alan Moore y su V de Vendetta, como mucho, pues a menudo el personal se queda en la adaptación cinematográfica del cómic (o novela gráfica, si lo preferís), pero hay que irse mucho más atrás (nada menos que a finales del siglo XVI, principios del XVII) para llegar al germen de este icono pop.

Es cierto, no obstante, que la película ha propiciado enormemente la popularización de la careta de gesto burlón, porque, señores, Hollywood es mucho Hollywood. De hecho, los Estados Unidos son mucho Estados Unidos, y la americanición del mundo ha hecho que tengamos asumidos iconos 'British' sin que seamos conscientes de que vinieron de la pérfida Ilión. ¿Una muestra? Mary Poppins. La asociamos a Disney, pero como ya contamos en otra entrada, en realidad es un personaje surgido en Inglaterra. Y vamos, no me diréis que Mary no es típicamente inglesa (tendría que exudar té por cada poro de su piel para llegar a ser más británica).
 

El papel canalizador de Norteamérica se nota también en las referencias que nos llegan del Doctor Who. La serie se popularizó en Estados Unidos a partir de la etapa de Tom Baker como protagonista, por eso es el 4º Doctor el que aparece en Los Simpson o del que se disfraza Stuart, el vendedor de la tienda de cómics de The Big Bang Theory.

Jack el Destripador, Jekyll y Hyde… incluso William Shakespeare podrían ser considerados iconos pop británicos, como lo es, sin duda, Sherlock Holmes, sobre todo últimamente, que a todo el mundo le ha dado por hacer su propia versión, volviéndolo más o menos histriónico, convirtiendo a Watson en chica (Lucy Liu en Elementary ¿Podrán resistirse a crear tensión sexual) o lo que sea que haya hecho Garci en su Madrid days (sinceramente, no sé si estoy preparada para soportarlo). ¿Alguien da más? Obviamente, sí.

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Viene de aquí.

“Yo diría que también hay gente que considera sagrada a la Wendy de Peter Pan, o que podría considerar inconveniente que Mr. Hyde sodomizara hasta la muerte, literalmente, al Hombre Invisible, después de que éste último violara a un montón de niñas de una escuela. ¿Qué les hubiera parecido esta historia a Robert Louis Stevenson o H.G. Wells? No digo que no lo tendría que haber hecho, lo único que sugiero es que uno tiene que ser consecuente con su posición moral si quiere que se le tome en serio.”

Lo cual sí que se podría considerar un torpedo en la línea de flotación de Moore, aunque quizás es confundir lo que cabrea al autor y lo que cabrea a los fans. A Moore lo que le fastidia es que se interpreten las ideas que quiso expresar de maneras diferentes o, directamente, contrarias a lo que él pretendía, como en las adaptaciones cinematográficas de From Hell, V de Vendetta o la misma Watchmen. Y aparte, es un poco divo y muy snob.

Pero no es que le moleste que alguien juegue con sus juguetes, porque eso sería una incoherencia brutal en un tipo que empezó su carrera trabajando en franquicias –una de sus obras más famosas, aunque reniegue un poco de ella, es La Broma Asesina y va sobre Batman y el Joker, que tenían ya 50 años entonces– y que últimamente se dedica a abogar por la libertad de las historias, en la misma Century o, mucho antes, en Promethea. Otra cosa son los fans más fanáticos o los críticos ultramontanos. O la gente que, directamente, no se fía de DC.

Claro que también puede valer lo contrario. En el documental Taking with Gods, el guionista escocés Grant Morrison cuenta como uno de sus primeros contactos profesionales, a principios de los 80, fue enviar varios guiones a la revista Warrior, donde Moore publicaba V de Vendetta y MarvelMan -que luego fue rebautizado MiracleMan por problemas de derechos-. Morrison había escrito una historia sobre Kid MarvelMan, el 'superboy' de dicho universo, que al editor, Dez Skinn, le encantó. Pero Moore impidió que se publicase, porque no quería interferencias en su historia.

Meses después, el divo se marchaba peleado con todo el mundo en Warrior. A Morrison le ofrecieron escribir MarvelMan y le envió una carta a Moore explicándole las circunstancias, diciéndole que lo admiraba y no quería que el trabajo fuese motivo de enemistad entre ambos, pero que para él, un novato, era una gran oportunidad, y deseaba afrontar el tema con su bendición. Moore, que ya tenía un nombre en EEUU y se lo consideraba una estrella en Reino Unido, le escribió una carta mezcla de buenismo y amenaza que lo hizo renunciar. Es evidente que se trata de la versión de Morrison. Pero ninguna de las dos anécdotas suena inverosimil.

Conviene recordar que Before Watchmen es, más que otra cosa, consecuencia directa del éxito de Watchmen (2009), de Zach Snyder. Era previsible, dado que los derechos de los personajes son de DC, que buscase la manera de capitalizar en nuevas ventas el invento. A Moore, al menos, hay que reconocerle que no ha visto un duro por ninguna adaptación posterior a From Hell, y siempre ha pedido que se lo retire de los títulos de crédito. Sus dibujantes, menos snobs o menos escrupulosos, según se mire, no han puesto ningún problema.

Watchmen la película era una reinterpretación del original, y al igual que actualmente hacen las precuelas, trataba de diferenciarse traicionándolo al hacer explícito lo implícito, algo que es la misma médula de la naturaleza hipnótica de la obra. Quizás lo mejor de la versión fílmica sean los aspectos que la alejan del tebeo, esos títulos de crédito que revelan detalles que casi era mejor no conocer y que parecen más chistes que otra cosa, o los momentos del desarrollo en que, por exigencias del público objetivo, el guión decide simplificarse. Aunque no ahorra añadir también detalles que quedan ridículos. Pero todo llegará.

En la siguiente entrega me meteré más en los detalles argumentales de Before Watchmen o Century –además de cómo, en mi modesta opinión, las películas suponen reinterpretaciones completamente contrarias al mensaje de los originales– pero ahora me conformaré con invitar al respetable a que participe del debate. Porque es obvio que siempre queremos más historias, pero ¿las necesitamos? ¿Y precisamente historias que ya nos han contado? ¿O quizás esas, más que ninguna otra?

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

En un post anterior os hablé de un recurso narrativo muy común en la actualidad, consistente en una recuperación del clásico deus ex machina basado en casos de doble personalidad, esquizofrenias, saltos en la memoria y Williams Wilsons varios, todo ello ilustrado con ejemplos de la cinematografía norteamericana actual. En este caso me centro en otro recurso narrativo de moda, cuyas causas se me escapan, pero cuya frecuencia creciente es innegable, y que se puede observar, en este caso, en otro discurso: el de las series de televisión de los últimos cinco años, en las que se encuentra, a mi juicio, la verdadera innovación de la narrativa audiovisual (y no sólo audiovisual) actual: la presencia de personajes protagonistas aquejados de algún tipo de trastorno psicológico.

¿No os habéis fijado nunca? ¿No os parece extraño?

En este caso, el recurso que se recupera es el del antihéroe, un tipo de personaje que sólo desde mediados del siglo XX, creo, se convierte en el verdadero protagonista. Un tipo de personaje muy adecuado a nuestros días. Dejadme que me detenga un instante para definirlo.

Según la Real Academia Española de la Lengua, a quien acudo en caso de necesidad y ante la imposibilidad de consultar mis libros de Joseph Campbell, un antihéroe es, sencillamente, el personaje de una obra de ficción que “aunque desempeña las funciones narrativas propias del héroe tradicional, difiere en su apariencia y valores”. Bien, pues, ¿cuáles son esas funciones propias del héroe tradicional, que suele interpretar el rol de protagonista? De nuevo, precariamente, acudo a la RAE, que no nos da más detalles y, ciertamente, ninguna información útil: personaje protagonista, hombre que desempeña una acción heroica, varón ilustre. Excesivamente parco y excluyente, no me sirve. Sin paciencia ni tiempo para detenerme en tratados de simbología y narrativa, tiro de memoria para definirlo: el héroe lleva a cabo la acción principal, realiza un viaje narrativo, suele estar definido, en la narrativa clásica, por sus buenas intenciones, su proceso de crecimiento, su apariencia física agraciada.

El problema es que eso ya lo hemos visto, no una sino mil veces. Ante esto, el antihéroe se caracteriza por rasgos mucho más atractivos o apropiados para la época postmoderna (o post-postmoderna) en que vivimos: se guía por unos valores propios que pueden no ser honorables, sus intenciones no son necesariamente buenas, sus métodos tampoco. Para que nos entendamos, D’Artagnan es un héroe, el Capitán Alatriste un antihéroe. El antihéroe lo es por los rasgos del propio personaje, por el acercamiento paródico del narrador hacia él, por su profesión… 

Ahora, en el tercer milenio, en que ya lo hemos visto todo, lo hemos leído todo y, unos más que otros, lo experimentamos todo antes y más intensamente que las generaciones precedentes, los héroes clásicos han dejado de tener interés. Es ahí, en mi opinión, donde está la clave. La serie de televisión es, en este sentido, el soporte perfecto, por su rapidez, su brevedad, y su nivel relativamente bajo de riesgo (si nos hemos pasado cancelamos y ya está). Por ello los guionistas se han decantado por los extremos, por retratar aquellos aspectos de la sociedad y de la mente humana menos conocidos, menos comunes, a veces menos atractivos, lo que sea por mostrar un punto de vista nuevo, una historia interesante, un personaje de construcción original. Los vicios, los trastornos, los comportamientos extremos son la nueva mina de oro narrativa. ¿Queréis ejemplos? Os dejo aquí unos cuantos, desde los más ingenuos (en apariencia) hasta los más extremos: 

Ausencia de empatía, incapacidad para interpretar los sentimientos ajenos e identificarse con ellos, irresponsabilidad, falta de respeto o de nuevo incapacidad para plegarse a las convenciones sociales, incapacidad para mantener relaciones, agresividad, baja tolerancia a la frustración, ausencia de sentimiento de culpa, manipulación… son algunos de los rasgos que conforman la sociopatía y que, en un arranque de genialidad consistente en exagerar lo ya apuntado por Conan Doyle, los guionistas de la versión de Sherlock Holmes de la BBc han trasladado al personaje protagonista, potenciando rasgos como la asexualidad (casi) y la ausencia de empatía. Si a todo ello añadimos el tratamiento de la drogadicción (sutil pero acertado), se trata de una versión muy interesante, (la más interesante, creo), de este personaje. 

Y es que es fácil ponerse de parte de Dexter. El simple hecho de conocer su punto de vista nos permite experimentar esa empatía de la que él carece hacia él. Conocemos su historia familiar (en todos los sentidos), el origen de su trauma, sus intentos por llevar una vida, y su constante doblegamiento ante el otro, el oscuro pasajero que habita en él y al que tiene que liberar de vez en cuando, con todo lo de ritualístico que ello implica. Conocemos su excusa (sólo se desahoga con criminales que, efectivamente, se lo merecían, pero mejor no entremos en las peligrosas implicaciones morales de ese razonamiento), y, como decía, nos ponemos de su parte. Lo que implica, 1, que no queremos que le cojan, y 2, que nos oponemos a quienes deben apresarle, dar con él, pararle los pies, detenerle, lo que sea. Personajes como el policía Doakes, a quien su instinto muestra que hay algo que no va del todo bien en el experto hematólogo (sí, Dexter trabaja para la policía), y que, reconocedlo, siempre tuvo razón. Esta serie y sus inteligentes recursos narrativos dan para un artículo o una serie de artículos. A lo mejor me animo alguna vez. Y, sobre todo, son el ejemplo más claro de cómo lo extremo se ha convertido en el alimento de la narración audiovisual contemporánea. 

De nuevo, se trata sólo de una selección del amplio catálogo de comportamientos extremos que podemos observar, muchos de ellos insertos en contextos cotidianos: ¿queréis tráfico de drogas? Ahí tenéis Breaking Bad y Weeds. ¿Adicción al sexo más allá del inocente retrato que de ella hacen en HIMYM?, Californication. ¿Comportamientos delictivos a gran escala? Los Soprano. ¿Poligamia? Big Love. Más allá de la perspectiva de la ciencia ficción mística, Gaius Baltar (Battlestar Galactica) es un esquizofrénico con aires de grandeza. El protagonista de una comedia de éxito como la reciente Wilfred, Ryan, interpretado por Elijah Wood, es un suicida frustrado que muy bien no debe estar cuando ve a su perro como un australiano de metro ochenta porrero y enfundado en un traje de peluche. En fin, hay muchos más…

En cualquier caso, esto es lo que hace a la narrativa interesante actual, y lo que la ha hecho siempre fascinante, la capacidad, la posibilidad de vivir muchas vidas, en este caso vidas que probablemente no querríamos experimentar, pero que sin duda queremos conocer. 

Continuará…

Cpt. Flint Baker

cpt.flint.baker@gmail.com

Con motivo del 25 aniversario del lanzamiento del primer videojuego de la saga "Metal Gear", Konami organizó un evento en el que desveló como sería el futuro de su mejor franquicia. Entre sus anuncios destacan dos: un nuevo y alucinante juego, "Metal Gear:Ground Zeroes", y, parece que por fin, una adaptación cinematográfica. 

En esto nos vamos a centrar, si os parece. El reto no es fácil pues la trama ideada por Hideo Kojima abarca más de 100 años y en ella se entrelazan decenas de historias de espías que poco a poco desgranan su trama principal. Tal extensión tiene como consecuencia una gran cantidad de personajes, algunos de los cuales los vemos en varias etapas de su vida. Su trama es, lógicamente, ficticia pero el inteligente uso de datos históricos reales como transfondo le da a la saga una identidad pocas veces lograda en cualquier tipo de producto ya sea libro, película o juego. Es, como ya he dicho, un reto gigantesco, solo solucionable de la manera que lo hacen los juegos: centrándose en un capítulo en concreto de la historia. Esto lleva a la lógica conclusión de que, si la adaptación funciona, habrá más películas (aquí, un servidor, lo desea fervientemente...). La principal cuestión es: ¿qué capítulo de la saga se usará como primera película? Lo lógico sería adaptar "Metal Gear Solid" o "Metal Gear Solid 3: Snake Eater"... lo siento por los no iniciados pero explicar cada juego nos llevaría varias entradas y tampoco deseo meterme a explicar la compleja decisión que tienen entre manos los responsables de su adaptación. Nuestra intención es más ligera y divertida: ¿quién sería quién?

Su productor es Avi Arad, mano responsable de las adaptaciones de X-men, Ironman o la reciente The Amazing Spiderman. En el apartado de dirección los responsables no se han pronunciado pero ya han descartado a Christopher Nolan (sniff) y al propio Hideo Kojima (sniff, sniff). Aparte de esto, no se saben más detalles, ni siquiera actores para el reparto. Por eso, y a falta de más información, creo que especular con las posibilidades es hoy por hoy lo más divertido. Así que aquí va la propuesta de Continuará:

Hay que tener en cuenta que estos personajes variarán dependiendo del capítulo que vayan a adaptar. De manera que algunos estarán o no, o serán más mayores o más jóvenes. Y por supuesto que hay muchísimos más (Roy Cambell, Gray Fox, Vamp, Sniper Wolf, Solidus, Mayor Zero...), pero creo que estos diez son los más conocidos.

Ya he comentado que del reparto técnico no se sabe nada, pero no me extrañaría que Harry Gregson-Williams se encargase de la banda sonora. Este compositor ha hecho multitud de trabajos para cine (Las crónicas de Narnia, El reino de los cielos, Shrek) y, cuyos mejores trabajos han sido precisamente para esta saga en Metal Gear Solid 2, 3 y 4. Yo creo que sería un gran premio por su excelente trabajo.

Así que ésta es nuestra propuesta, ¿qué opináis?

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Este verano estamos viviendo el lanzamiento de Before Watchmen, la precuela a base de miniseries de la obra cumbre de Alan Moore y Dave Gibbons, daño colateral provocado por la película de 2009 dirigida por Zach Snyder. Moore, como viene siendo habitual cada vez que se toca alguna de sus historias, se mostró muy crítico con el proyecto cuando se anunció en febrero y se ha pasado refunfuñando los últimos meses, durante los que DC Comics ha lanzado anuncio tras anuncio para tratar de pescar lectores.

Lo más interesante de la polémica derivada –que seguramente la editorial preveía, sabiendo que sería una campaña viral gratuita, ya que aunque fuese para lamentar lo mucho que traicionan al original, las precuelas serían una lectura obligada para gran parte del fandom– no han sido los habituales improperios de Moore, sino las reacciones de sus colegas escritores. Nadie puede negar que el de Northampton tiene tendencia a tildar a todo el mundo de mercenario falto de creatividad, y lo raro es que no reciba exabruptos de retorno por parte de otros guionistas de manera más habitual.

Por supuesto, Moore ha criticado abiertamente en más de una ocasión las ideas de Ditko, el cual, cercano a cumplir los 90 años, ha ido empeorando en cuanto a intransigencia. De hecho, el de Northampton admite que intentó convertir a Rorschach en una especie de trasunto de toda esa ideología mal digerida. Denny O’Neill haría lo mismo años después al dotar de serie regular a The Question, y Dwayne McDuffie lo trasladaría a la serie de animación Justice League Unlimited. Los personajes han acabado convertidos en parodias de su autor, aunque extrañamente dignificados por toda una serie de escritores que se autoproclaman en las antípodas ideológicas que padre e hijos defienden. A no siempre es A, suponemos.

En fin. Como ya apuntaba antes, JMS aspira a diva –es famoso por dejar a medias, de manera bastante poco profesional, todas sus colaboraciones, lo hizo en Fantastic Four o en Superman–, así que poco después de estas declaraciones acabó enzarzándose en una discusión con los fans en Facebook. De nuevo merced a Zona Negativa, extracto las dos respuestas más significativas:

“Si en algún punto de los últimos 25 años, Alan hubiera dicho “sabéis, hay una historia de Watchmen que me gustaría contar” no hay ninguna duda de que DC le hubiera dado libertad creativa y un cheque tan grande que oscurecería sus oficinas durante una semana. Y le hicieron varias propuestas al respecto. En 2005, de hecho, DC le ofreció la propiedad de los personajes si volvía a hacer algunas historias con ellos.”

Por razones de espacio y comodidad, este artículo, la primera parte de la serie sobre Watchmen, La Liga de los Caballeros Extraordinarios y derivados, se corta aquí y se editará en dos partes, pero son el mismo artículo.

Segunda parte.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

No sé si ha sido el destino, la casualidad o el azar, el caso es que, en mitad de la pequeña vorágine de copagos, tarjetas sanitarias y objetores de conciencia que estamos viviendo, esta semana en Continuará… ha tocado hablar de doctores. Podréis imaginar, sin embargo, que no vamos a centrarnos en los de bata blanca (no es nuestro estilo…), sino un tipo muy particular. Vamos a hablar, de hecho, de El Doctor, en mayúsculas, un apelativo que para muchos no sugiere nada más allá del médico del pueblo pero que para mí, como para otros pocos, es sinónimo de Christopher Eccleston, David Tennant y –por mucho que me costara asumirlo– Matt Smith. Hablo, como no podía ser de otra manera, de Doctor Who.

Esta serie de ciencia ficción británica –cortesía de la BBC– volvió a la parrilla televisiva este sábado después de varios meses de larga espera para unos servidores que ya no podíamos esperar más; porque, hablando en plata, esta locura engancha. Y sí, digo locura porque a bote pronto la historia es un auténtico disparate, pero llega un momento en que uno se encuentra tan imbuido que todo parece perfectamente lógico; diría, de hecho, que en cierto modo lo es.

Es difícil resumir en pocas palabras de qué va esto sin acabar enredándose en el argumento; aun así, vamos a intentarlo. Podemos decir que Doctor Who cuenta las aventuras de un Señor del Tiempo (el último, de hecho, de los Señores del Tiempo, una de las muchas especies que existen en el universo, ¿o debería decir los universos?) que viaja (siempre acompañado de uno o varios companions, o sea, compañeros de viaje) a través del tiempo y el espacio en una nave con forma de cabina telefónica azul (por fuera, porque por dentro es muy diferente y mucho más espaciosa). Su nombre real es un misterio, pero todos lo conocen como El Doctor (“¿Qué doctor?”, se preguntan muchos, o lo que es lo mismo, “Doctor who?”).

Tal y como la venden tanto en la cadena pública británica como en Boing (donde ha podido verse en España TDT mediante) es una serie infantil-juvenil; yo, personalmente, discrepo. Los niños ven entusiasmados Los Simpson o Padre de familia, pero, ¿podemos realmente decir que son series para niños? Bien es verdad que nuestro viajero del tiempo no es tan deslenguado ni tan… salvaje en cualquier sentido; no obstante, algún capítulo lo considero un poco fuerte para según qué edad, y desde luego estoy convencida de que hay cierto nivel argumental que es para adultos. Al menos, del Doctor Who moderno, por así decirlo, que es el que conozco mejor.

Ahora vuelve, en la séptima temporada de la ‘nueva era’, enfrentándose una vez más con su inseparable 'destornillador sónico' a los Daleks, unos de los villanos recurrentes de la serie (demasiado recurrentes para mi gusto, porque se supone que son lo peor de éste y otros mundos, pero El Doctor no hace más que exterminarlos, lo cual no significa que no vuelvan), en la que los protagonistas visitan lugares y momentos singulares (desde la Pompeya pre-Vesuvio hasta el fin del mundo, literalmente), conocen a seres extraordinarios (estatuas que te atacan cuando no las ves, supuestas sirenas…) y acaban cruzándose con personajes de la talla de Winston Churchill o William Shakespeare. Por no hablar de los companions, entre los que hay un perro robótico llamado K-9 (sí, /ˈkeɪ.naɪn/, que es como se dice canine, o sea, canino), la simpática pareja formada por Rory y Amy Pond o la (al principio sobre todo) misteriosa doctora River Song. Pero eso es otra historia…

Continuará...

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Antes que nada, que quede muy claro: me gusta, y mucho, lo que la HBO está haciendo con Canción de Hielo y Fuego. Dos guionistas más bien mediocres en su trayectoria (David Benioff, sin ir más lejos, fue el perpetrador de Lobezno y Troya, película que sería necesario repetir de principio a fin con exactamente el mismo casting y un guión completamente nuevo que si se pareciera en algo a lo que escribió Homero todos lo agradeceríamos bastante, gracias, Benioff) han conseguido llevar a la pantalla la novela – río de Martin, conocida por su complejidad. Su principal mérito está en que, a pesar de las necesarias reducciones, simplificaciones, explicaciones (otro día hablaremos de cómo han hecho explícito lo implícito, y si no que se lo digan a Renly Baratheon y al Caballero de las Flores, ajem), y las innecesarias muertes inventadas, personajes inventados y giros argumentales, Juego de Tronos conserva, permitidme la cursilería, el espíritu de su predecesora literaria. Lo más importante, lo que hace a Canción de Hielo y Fuego una de las construcciones literarias contemporáneas más apasionantes de las últimas décadas para los aficionados a la literatura fantástica y una lectura nada despreciable para quienes suelen considerar ese género demasiado infantil (¡ja!), está ahí: su argumento fascinante, su compleja construcción, sus personajes llenos de matices, sus estupendos diálogos, y Tyrion Lannister.

Así que sí, me gusta mucho lo que está haciendo la HBO.

Pero, a pesar de todo, yo no sería yo y Continuará no sería Continuará si no tuviéramos algo que decir. Así que aquí va mi enmienda personal al (enorme, a pesar de la intensa labor de síntesis que han hecho) casting de la serie: los errores y aciertos más destacados.

Por supuesto, la entrada que sigue está plagadita de SPOILERS de la serie de televisión Juego de Tronos y, al menos, los cuatro primeros libros de Canción de Hielo y Fuego, (quizás se me escape alguno de Danza de Dragones, aunque intentaré que eso no ocurra) de los que no me hago responsable. En absoluto. 

Obviamente. De nuevo, se trata de una elección perfecta. Peter Dicklage, al que vi por primera vez en Un funeral de muerte (Narnia no cuenta, demasiado maquillaje), y en el que inmediatamente pensé para interpretar a Tyrion Lannister a causa de su habilidad para evitar a toda costa los papeles paródicos, se ha topado, merecidamente, con el papel de su vida. Es el favorito de todos, el que tiene los mejores diálogos. Un auténtico robaplanos del que siempre quieres ver más aunque sólo aparezca unos minutos por capítulo. Dinklage, que ha interpretado Tío Vanya en teatro, es Tyrion, por la sencilla razón de que, al igual que Bean, su carisma traspasa la pantalla. 

Hubiera sido muy fácil convertir a Khal Drogo en una parodia de Conan (y no, no va con segundas), pero Momoa responde a la perfección a todo lo que el personaje de Khal Drogo debería ser cuando se lo lee. Tiene la apariencia, la actitud, la altura, la voz… Veterano curtido en series de televisión como, er, Baywatch Hawai y, ahora sí, Stargate Atlantis, Momoa fue seleccionado, entre otras cosas, por su interpretación de una danza tradicional hawaiana, cuyo nombre desconozco, pero todos sabéis de lo que hablo, en su correspondiente audición. Atentos. A ver quién le dice que no le contrata después de esto.

Una de mis elecciones favoritas, sin duda. Otra de esas ocasiones en las que el actor se funde con el personaje. Uno de los personajes más odiados de la saga por su actitud chulesca, cuando se hizo pública la elección de Alfie Allen para interpretar a Theon la respuesta fue muy positiva: tenía el aspecto adecuado para interpretar a un personaje que puede ser atractivo pero, en general, está pidiendo a gritos que le den un guantazo la mayor parte del tiempo. Conocido entre los fans-de-la-serie-pero-no-lectores-de-los-libros durante la primera temporada como “ese chico que creo que no es un Stark pero está por ahí la mayor parte del tiempo, sonríe bastante… no recuerdo su nombre y sí, creo que tiene un arco”, en la segunda temporada está demostrando tener las tablas suficientes para lo que se le viene encima. Sí, me refiero a Danza de Dragones. Definitivamente, no puedo esperar a verle interpretar… lo que se le viene encima. 

Gwendoline Christie mide 1,91 metros, tiene poquita experiencia en el cine, y ha saltado a la pantalla directamente desde mi imaginación para interpretar a Brienne, la Bella. La altísima actriz ha superado con creces la desconfianza inicial (“es demasiado guapa”), y, aunque de momento no tiene mucho protagonismo, parece que tiene la química suficiente con Nicolaj Coster-Waldau (Jaime Lannister) y el aplomo necesario para interpretar a este personaje, muy querido por los lectores. 

De nuevo, el actor se funde con el personaje. De nuevo, elección perfecta. Harry Lloyd se hace con el papel del Rey Mendigo desde su primera escena, y con un par de gestos, una sonrisa irritante y una peluca rubia bastante natural consigue hacernos creer sin esfuerzo que es el digno heredero del Rey Loco. De hecho, al principio resulta mucho más interesante él que Emilia Clarke como Daenerys Targaryen, hasta que ella comienza a adquirir fuerza. Si la escena de su coronación no fuera tan impactante, casi lamentaría perderlo de vista. 

La interpretación de Yerolemou es la muestra de lo mucho que HBO está mimando el casting de Juego de Tronos en los papeles pequeños. Ningún rol se adjudica a la primera y el que nos ocupa, Syrio Forel, “profesor de baile”, primera espada de Braavos, es uno de esos que, a pesar de su brevedad, quedan en la memoria. De sus tres apariciones, dos de ellas constituyen dos de mis escenas favoritas de la primera temporada. En este vídeo podéis ver las dos seguidas. 

Sin detenernos siquiera en la estúpida e injustificable decisión de cambiarle el nombre al personaje (¿por qué? ¿POR QUÉ? Asha es Asha. “Yara” ni siquiera suena bien), esta elección me plantea algunos problemas. Sucede que Gemma Whelan interpreta el personaje de Asha Greyjoy, hermana mayor de Theon, verdaderamente bien. Tiene la actitud y el aplomo de Asha, plasma con precisión su mordacidad y su fuerza. Pero su aspecto físico es completamente erróneo. No tiene nada, absolutamente nada que ver con el personaje, que es descrito de manera muy precisa en los libros.

Mi alternativa

El carisma de Asha y su atractivo físico son difíciles de clasificar, pero finalmente he dado con dos posibles reemplazos, y no soy capaz de decidirme. Por un lado está Lizzy Caplan también conocida como “la que revienta en Cloverfield”. Mi segunda opción es Catherine Moennig, la delgadísima Shane de The L Word. Ambas poseen ese aspecto andrógino pero atractivo que debería tener la hija de Balon Greyjoy. 

Queda claro, una vez repasado el casting, que es verdaderamente bueno. Los aciertos pesan más que los errores (salvo casos como el de Asha, que, sinceramente, cantan bastante), y la conclusión, ya intuida, es que la serie tiene el acierto de mimar a los personajes pequeños. Muchos no han llegado a aparecer en la clasificación, pero merecen ser mencionados: los niños Stark están geniales, sin excepción. Osha es un descubrimiento. Davos es calcadito a como debería ser. Lord Frey está perfectamente captado en toda su repugnancia…

En cualquier caso, se trata de mi propuesta de casting. ¿Tienes otra? ¡No dejes de comentarlo!

Continuará…

                                                                                                            Cpt. Flint Baker

                                                                                                cpt.flint.baker@gmail.com

Entregas anteriores de EXPLORANDO PONIENTE:

Conociendo Poniente I: Basado en hechos reales...

Conociendo Poniente II: Ponga un dragón en su vida

El otro día me entretenía contemplando la caja tonta cuando ví un reportaje sobre un cortometraje de animación realizado de una manera muy curiosa: dibujando fotograma a fotograma con acuarelas sobre cristal. El corto en cuestión era una versión de “El viejo y el mar” y ganó un Oscar... La cuestión es que me puse a reflexionar sobre lo curioso que era ver trabajos artesanales resistiéndose a caer en el olvido frente a las últimas técnicas digitales. Llama la atención cómo han evolucionado las herramientas que manejamos para hacer más rápido y sencillo  crear  una obra audiovisual.

Cada día que pasa se hace más sencillo crear efectos visuales. Las herramientas de montaje y  composición digital se hacen más intuitivas, y se está llegando al punto de que cualquiera puede adquirir un programa, que antes era exclusivo de empresas adineradas, y con la ayuda de video-tutoriales, que los hay a cientos en la web, introducirse en el mundo audiovisual.

Mélies hacía trucos con transparencias y Harryhaussen fotografiaba frame a frame a sus criaturas hasta darles vida. Incluso Disney usaba grabaciones reales para copiar los movimientos de actores en personajes de animación. La rotoscopia, el stop-motion, incluso la animación 2d (los clásicos Disney de toda la vida), se han vuelto reliquias del pasado que sólo unos pocos se empeñan en mantener con vida porque, ciertamente, es tierno y agradable ver trabajos con estas ancestrales técnicas entre las gigantescas olas de lo digital. 

Los dinosaurios de Jurassic Park eran originalmente en stop-motion hasta que alguien le enseñó a Spielberg las bonanzas de la recreación digital. Pasaron de fotografiar cada pose a animarlos digitalmente. Es cierto que las técnicas digitales ya habían sido usadas anteriormente en otras películas pero es que el ejemplo de Jurassic Park es perfecto para entender esas transición. Otras fueron pioneras pero ésta fue la que abrió la veda.

Día a día aparecen nuevos adelantos, reflejados en el cine: Toy Story, primera cinta de animación completamente digital; Final Fantasy: The Spirit Within, la búsqueda de actores digitales fotorealistas; el Gollum de El Señor de los Anillos, el primer trasplante con éxito de la actuación de un actor a un personaje digital; Avatar, el trasplante múltiple con mucha más pasta... La carrera se hace cada vez más frenética y, ¡atentos!: cualquiera puede modelar ya en 3D un dinosaurio y animarlo, tenemos Kinect de Xbox para capturar nuestros movimientos en casa,  Avatar 2 será mucho más grande pero considerablemente más barata... Es de locos.

Lo que antes suponía semanas de trabajo se puede llevar a cabo en horas hoy día. Por poner un ejemplo: el tracking. Éste es un proceso para calcular la posición de un mismo pixel, o de varios, en una secuencia de fotogramas de manera que podemos “seguir” y copiar un movimiento de cámara rodado previamente para así poder insertar en el plano cualquier elemento digital que deseemos. Esto que suena a chino es un proceso que cuando yo empecé en este mundillo, hará ya ocho años, era algo complejo que requería horas y  programas especialmente diseñados para esa función. Pues ya, hoy día, la marca Adobe ha sacado su versión CS6 de After Effects que, con un solo click de ratón, calcula él solito todo lo que necesitamos en pocos minuto.

La tecnología crece, a mi parecer, demasiado deprisa y el problema es que es un proceso imparable. No hay tiempo para asimilar conceptos. Trabajamos con herramientas que casi nunca sabemos realmente cómo funcionan. Un click y ya está, el ordenador lo hace por nosotros. Y muchas veces esas herramientas se usan una vez y luego se desechan por otras más potentes y sencillas que han salido sólo una semana después que la anterior. ¿Eso es bueno? Yo creo que no, creo que es  frenar a la creatividad privándola de tiempo para desarrollarse. ¿Qué merito tiene ya modelar en 3D un dinosaurio?

El año que viene se cumplen 20 años de Jurassic Park. Así que uno se pregunta: ¿cómo estaremos dentro de, no otros 20, sino 10 años?

Continuará...

Drender

drender.render@gmail.com

Todo empezó el 28 de diciembre de 1895, cuando Méliès asistió como invitado a la presentación del cinematógrafo de los Lumière. Aquellas imágenes en movimiento lo dejaron fascinado, y provocaron una cascada de ideas sobre las posibilidades del invento para su campo de trabajo. Intentó incluir el aparato de los hermanos en su espectáculo; la negativa no supuso un problema: se compró su propio aparato, lo modificó y de ahí levantó todo un imperio cinematográfico en el que lo mismo estaba delante que tras la cámara, llegando a producir más de medio millar de películas.

Lamentablemente, la Gran Guerra (entre otras cosas) desinfló el negocio, el director galo acabó arruinado y la mayoría de las cintas, destruidas. Quedaron para la historia, no obstante, algunos tesoros, entre los que se encuentra el maravilloso Viaje a la luna de 1902, en el que el ilusionista adaptaba de manera mágica (nunca mejor dicho) y magistral, en 14 minutos y 12 segundos exactamente, De la Tierra a la luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la luna, de H.G. Wells.

La imagen de esa nave (con forma de supositorio, todo hay que decirlo) impactando en la superficie de esa luna con rostro marcó un antes y un después en la historia de este arte que entonces daba sus primeros pasos y hoy se ha convertido en todo un artefacto pop, que en cierto modo ya lo era entonces, pero que ha adquirido una dimensión probablemente impensable para el propio Mélies, al que se ha referenciado en tantas ocasiones que resultaría casi imposible hacer una enumeración. No puedo evitar mencionar, sin embargo, el homenaje que hizo al cineasta Queen a través del vídeo que grabaron en 1995 para la canción ‘Heaven for everyone’ (escrita por el batería del grupo, Roger Taylor, y grabada por primera vez en 1988 por la banda The Cross con Freddy Mercury como vocalista invitado).

Esa imagen, junto al resto de la película (que encierra cierto aire infantil comprensible dado el momento en que está rodada), puede verse ahora en color, tal y como la disfrutaron los espectadores de aquellos primeros años del siglo XX gracias a las manos de Georges y su equipo, que coloreaban las cintas fotograma a fotograma, dando lugar a tonalidades perdidas durante muchos años. En este caso perdidas, de hecho, hasta que apareció una copia en la Filmoteca de Cataluña a principios de los años 90.

La restauración dio lugar a un documental, El viaje extraordinario, en el que Serge Bromberg y Éric Lange relatan el proceso de reconstrucción, reflexionando a un tiempo sobre la vigencia de la obra de Mélies (algo que, en mi humilde opinión, no es posible poner en cuestión). Este particular viaje se ha emitido hace poco en el canal TCM seguido de la versión restaurada de la película. La música electrónica de los franceses Air acompaña a los personajes en este Viaje a la luna, en el que el color trae a la memoria los mármoles griegos, que el tiempo nos ha trasladado monocromáticos, haciendo muy difícil imaginarlos coloreados pese a ser su estado original.

Esta versión del film ya pudo verse en el Festival de Cannes en 2011, año en que Mélies volvió a las salas de cine de la mano de Martin Scorsese y su Hugo (La invención de Hugo en España), una fábula preciosista (basada, una vez más, en una novela) que cuenta (a su manera, porque se toma bastantes licencias, como no podía ser menos) la historia del francés. Un guión bastante predecible, aunque emotivo (sobre todo si eres de naturaleza sensiblera) sirve de hilo conductor a una historia donde la fotografía es la gran protagonista (y que le pega muy poco a Martin, dicho sea de paso). Es cursilona, no termina de colar Ben Kingsley como el mago (es un actor maravilloso y tiene cierto parecido, pero si tiene que ser un personaje real siempre será Gandhi, se siente), pero es muy bonita; todo un alarde de estética al más puro Mélies.

En el film aparecen extractos de la versión restaurada del Viaje a la luna, entre otras escenas de aquel primer cine (como secuencias de los Lumière o de películas de Buster Keaton) que tanto impactó a este singular prestidigitador. “Cómo no podía formar parte de aquello… Era como una nueva forma de magia”, dice en boca de Kingsley el ilusionista, quien hizo lo posible por participar “de aquella maravilla”.

Continuará…

Penelope Cleese

penny.clesse@gmail.com

En septiembre de 2011, el Universo DC se reinició desde cero. Tal cual. Vuelta a empezar, desde el principio. El cohete de Superman vuelve a estrellarse contra Kansas, matan otra vez a los padres de Bruce Wayne en un callejón junto al cine, Abin Sur vuelve a entregarle el anillo verde a Hal Jordan, una estantería de productos químicos cae sobre Barry Allen al mismo tiempo que lo golpea un rayo… Sólo que en lugar de fecharlo todo en 1938, 1955 o 1986, arrancan desde el siglo XXI.

Sin que haya tanta distancia respecto a la trilogía original, hace apenas semanas que pudimos ver la llegada de The Amazing Spiderman. Nuevo director, nuevos actores, nuevos personajes… Como el reinicio de la franquicia que hiciesen en Warner con Batman Begins, como el que llegará en breve con Superman: Man of Steel. Marvel y Disney continuarán su tanda con los relanzamientos de Fantastic Four y Daredevil. Por cambiar, le cambian a Spiderman hasta la novia. Antes era Gwen con el nombre de Mary Jane, ahora es Mary Jane con el nombre de Gwen. Qué más da.

Continuará...

El Advenedizo

advenedizo@hotmail.es

Sí, se trata de Roland Emmerich, el mismo Roland Emmerich que dirigió Soldado Universal, El patriota, El día de mañana, 10.000 B.C., Independence Day (algún día expondré públicamente mi argumentos sobre por qué esta película es perfecta en su género), Godzilla o, sólo un año antes que Anonymous, la terrible 2012, sobre la que, en su descargo, diré que le sirvió para comprar la libertad creativa que le permitió rodar esta biografía apócrifa de Shakespeare.

Precisamente, su currículum juega en su contra, y aunque el trailer prometía, y mucho, y posteriormente cumplía con creces lo prometido, el hecho de tratarse de “una película de Roland Emmerich” hizo que mucha gente se echara atrás o, directamente, ignorara esta cinta. Aclarémonos: no, no hay explosiones ni catástrofes a gran escala, los datos históricos están tratados con relativo rigor (más o menos el mismo nivel de rigor que Shakespeare enamorado, y ésta no la crucificó nadie), y el guión es bueno, muy bueno, pero en eso me detendré más adelante. Eso sí, hay concesiones a la galería, muy Emmerichianas. Por ejemplo, algunos giros argumentales sensacionalistas, o las impresionantes (y digitales, por supuesto, pero aún así impresionantes) vistas generales, en este caso del Londres isabelino. O la casi paródica forma en que son representados algunos personajes (como el hiperhomosexualizado Christopher Marlowe, que ya interpretó, de forma más discreta, Rupert Everett). Curiosamente, los menos conocidos son tratados con más rigor. Pero todo es perdonable. 

En esta película Roland Emmerich renuncia casi por completo a su forma habitual de grabar y, además de los ya citados impresionantes planos que recrean el Londres de Shakespeare, recurre a una interesante y trabajada disposición espacial que utiliza para apoyar sus ideas principales, generalmente embellecidas por iluminación a base de velas y claroscuros. Hay dos ejemplos claros (además del insistente encuadre contrapicado de Oxford, que busca enaltecerlo en cada plano): la primera discusión sobre el poder de la palabra y la representación teatral que se da en la película (y en la que participan el conde de Oxford, el de Southampton y Essex, aspirante a la sucesión) tiene lugar en un partido de tenis (o semejante), en el que Oxford es el árbitro, y en el que ambas posiciones se enfrentan. Otro ejemplo está en la escena en la que Oxford propone a Ben Jonson que represente sus obras y se las atribuya. Ocurre en un laberinto ajardinado, muy propio de la época, en el que el aristócrata enreda al dramaturgo en ciernes con sus palabras y argumentos, además de exponer claramente la teoría que sustenta el guión, sin dejarle opción ni salida posible: All art is political, Jonson, otherwise it would just be decoration. And all artists have something tos ay, otherwise they’d make shoes. And you are not a cobbler, are you Jonson. 

Además de una entretenida ficción histórica, un más que digno folletín, Anonymous es, como decíamos, un ejercicio metatextual, en el que, concesiones a la galería aparte, se homenajea verdaderamente la obra de Shakespeare y se juega con las referencias a la misma, plagando la vida reinventada de Oxford de incidentes que son espejo de numerosas escenas de las obras del bardo (Romeo y Julieta, Polonio tras la cortina en Hamlet, Enrique IV…). Pero, además de esos guiños intertextuales, la misma estructura de la película es un guiño a la obra de Shakespeare: el filme se abre con un parlamento teatral, y se cierra con otro (a la manera del bardo), que en este caso interpreta nada más y nada menos que Derek Jacobi. Un Derek Jacobi al que vemos llegar, en la época contemporánea, a un teatro, en el que se representa la obra Anonymous, y que nos pone en situación sobre “la obra que vamos a ver representada”. Vemos llegar a otros actores, como el que interpreta a Ben Jonson, pero, como sucedía en Jesucristo Superstar, nunca vemos entrar ni salir al protagonista. Y ese monólogo inicial justifica, en cierta manera, las inconsistencias históricas, ya que se nos advierte de que lo que estamos viendo es, sencillamente, una teoría. Y, como decíamos, un ejercico metatextual. Así, el juego cine-teatro dentro del cine-cine sobre el teatro-literatura dentro del cine es intrincado y casi tan fascinante como el laberinto de Oxford. 

Continuará…

Cpt. Flint Baker

cpt.flint.baker@gmail.com 

Hoy nos vamos a desviar sensiblemente de los FX en esta entrega. Vamos a centrarnos en otro aspecto fundamental de la postproducción de una película: el sonoro. Comprobaremos cómo simplente trabajando muy bien este apartado se pueden maquillar deficiencias en otros. Para ello voy a hablar de La guerra de los mundos de Steven Spielberg. Esta película de 2005, con el rey Midas al frente, prometía ser uno de los éxitos del año y más, pero no lo fue hasta cierto punto. No fue el taquillazo esperado pero recaudó casi 600 millones de dolares en todo el mundo y en cuanto a la crítica, salieron más defraudados los espectadores que los críticos porque se esperaban algo mucho más grande en plan Independence Day y no una historia minimalista de un padre y sus hijos huyendo de la invasión. Spielberg rodó una película diferente a lo esperado, corta (no llega a dos horas), con una carga de FX bastante escasa (aunque magistralmente dosificada) y en un corto periodo de tiempo (en solo 7 meses se rodó, postprodujo y estrenó). No pretendo entrar en el debate de si es una buena película o no, simplemente quiero desgranar el cómo, cómo Spielberg consigue una película tecnicamente impecable en tan poco tiempo y esto es porque vuelve a ser el Spielberg de Tiburón (enseñar menos es más y dejar que un buen sonido haga volar la imaginación del espectador).

En esta película el sonido juega un papel muy importante porque sustituye a los FX en muchos de los momentos más significativos de la película. Al ser una película con una producción muy justa de el director planificó unas secuencias espectaculares que realmente enseñan poco de los alienigenas. Al espectador siempre le cuesta ver los tripodes en toda su magnificencia ya que nos los muestra a contraluz, reflejados en cristales, entre columnas de humo o simplemente tras un árbol. En pocas ocasiones los vemos a cuerpo entero y con el uso de un sonido ensordecedor, una especie de bocina muy grave, nos anticipa que éstos hacen acto de presencia y es hora de correr.

Hay un momento destacado, que es el perfecto ejemplo de lo que trato de explicar, en el que los protagonistan se esconden en un sotano mientras por las pequeñas ventanas entran haces de luces y un sonido ensordecedor lo inunda todo. Ni los protagonistas ni el público ven lo que ocurre. Sólo cuando el protagonista sale al exterior descubrimos nada menos que un Boeing 747 estrellado... sólo con el sonido y la luz Spielberg nos ha contado un accidente de avión. Este recurso lo vuelve a usar luego con una batalla entre ejército y  trípodes. Aquí solo la oimos de lejos pues una colina tapa lo que ocurre y los protagonistas no pueden verlo. Cierto que vemos pasar aviones, helicópteros, vehículos terrestres y soldados pero no llegamos a ver la batalla hasta que finalmente los trípodes llegan a la colina masacrándolo todo. Nuevamente sonido ambiente como motor de la acción y todo lo que rodea a los protagonistas.

Una pasaje interesante es cuando se refugian en el sotano de Halgan (personaje excéntrico interpretado por Tim Robbins) hacia el final de la peli. Aquí durante media hora no vemos casi nada del exterior pero sí escuchamos y el ambiente sonoro evoluciona desde el silencio post batalla a un sonido de maquinaria industrial constante. Cuando los personajes vuelven al exterior descubren un mundo cambiado, el espectador se sorprende pero lo entiende rapidamente porque el sonido le ha guiado a esa conclusión.

Resumiendo, el sonido nos pone al nivel de los protagonistas haciendo que el resto parezca incontrolable. Ésta es una película en la que los personajes nos son héroes sino simples personas frente a una invasión desigual. Esto hace que los sonidos se desmarquen como un intento de subrayar lo mayúsculo y horrendo, una marea caótica. Así los personajes parecen insignificantes ante los trípodes y cualquier lucha parece inutil.

La música siempre se encuentra en un segundo plano respecto a los efectos sonoros ya que no juega un papel relevante aparte de subrayar algunas situaciones. Así, la oímos en los discursos de Morgan Freeman en off al principio y al final, cuando los trípodes se ponen en movimiento (como una especie de marcha lenta y constante pero abrumadora) o en los momentos de máxima acción. Mención especial tiene el final, en el que todo lo expuesto anteriormente desaparece. Al morir los extraterrestres, el sonido de sus naves se vuelve menos aterrador y visualmente se nos muestran los tripodes con un tipo de luz que los hace menos impresionantes y más débiles. La música se vuelve más épica cuando los humanos comienzan a derribar las naves.

Al terminar su visionado es facil criticar su duración o que no sea la batalla épica que se esperaba, pero no es mala película en absoluto. En la cuestión que nos atañe comprobamos que Spielberg salda con nota la puesta en escena y consigue hacernos pasar un mal rato huyendo de los tripodes, lo que era la intención. Creo que el “cómo” inicial planteado esta más que contestado...

Continuará... 

Drender

drender.render@gmail.com

Finaliza la oración de la mañana. No hay formas consagradas para todos. Ambiente tenso. El suelo todavía permanece húmedo del rocío.

Así rezaba el primer tuit de @TwitstoriadeEsp el pasado 16 de julio. Como hace ocho siglos, este año la fecha ha coincidido con un lunes, el mismo día en que tuvo lugar un acontecimiento determinante para la historia de España: la batalla de Las Navas de Tolosa, en la que las tropas cristianas vencieron al Ejército del califa almohade Muhammad An-Nasir (quizás os suene más como Miramamolín) cerca del municipio jiennense de Santa Elena, en plena Sierra Morena.

De hecho, la cosa ha sido como es en general para esta batalla, que por hache o por be va desvaneciéndose (o tergiversándose) en la memoria colectiva, haciendo que se desaproveche su auténtico potencial. Porque sí, hay cienes (o decenas) de libros relacionados con la batalla, incluyendo el de un desconocido Francisco Rivas, que ha aprovechado el tirón del octavo centenario para publicar su primera obra, 1212. Las Navas (sí, muy original); hasta Juan Eslava Galán ha ambientado su última novela en Las Navas, porque está feo no responder a una petición de tu tierra (es de Arjona el hombre) y porque él se aprovecha del aniversario y el aniversario de él, que tiene un nombre y un colega tan mediático como Arturo Pérez Reverte para acompañarle a la presentación (hace unos meses, en el Museo de Las Navas de Tolosa).

Decía, pues, que sí, que el salto al papel impreso, como a las crónicas, sí que se ha producido, ¿pero qué me decís del salto a la gran pantalla? Ya lo decía el mencionado autor de Alatriste (al que, en general, y lo siento mucho por los acérrimos lectores, no soporto en sus formas, pero en esto tengo que darle toda la razón, sin que sirva de precedente) en un artículo que publicó en XLSemanal el 12 de julio de 2010: “¿Imaginan la película? ¿Imaginan ese material en manos de ingleses, o norteamericanos? Supongo que sí. Pero tengan la certeza de que, en este país imbécil, acomplejado de sí mismo, no la rodará ninguna televisión, ni la subvencionará jamás ningún ministerio de Educación, ni de Cultura”.

Aquí nos topamos, de nuevo, con la duda de si se trata de dejadez, obsesión por lo políticamente correcto… Quién sabe… Lo que sí sabemos es que, aunque no todo el cine español gira en torno a la Guerra Civil, sí lo hace buena parte de él, olvidándose de otros episodios a los que se puede sacar muchísimo jugo. No somos muy dados al cine histórico, y tenemos lo esencial: escenarios impresionantes y buenos argumentos.

En cuanto a lo primero, a los tremendos paisajes (desde el desierto almeriense a los lagos de Covadonga, por ejemplo) se unen construcciones no siempre muy conocidas que atestiguan el paso de distintas culturas y civilizaciones (sin ir más lejos, Jaén cuenta con una de las mayores concentraciones de fortalezas de Europa). Respecto a lo segundo, no hay más que abrir un libro de historia. ¿Qué quieres? ¿Fenicios? ¿Romanos? Tal vez seas más de cartagineses… Y los moros… Qué pedazo de películas se podrían hacer sobre moros y cristianos, desde comedias románticas hasta largos bélicos, con acero, sangre y vísceras (a eso le suman traiciones, sexo y dragones y tienes Juego de tronos. ¿Qué más se puede pedir?).

El problema, por tanto, no son los escenarios ni los argumentos. Tampoco los actores, porque entre tanto machito de torso pétreo y verbo incomprensible hay un buen puñado de buenos profesionales, como también los hay en el resto de campos (directores, técnicos, etc.). ¿Hablamos entonces de pasta? Pse… No sé yo qué decir… Alatriste contó con 25 millones de euros de presupuesto que no sirvieron más que para crear una abominación sin sentido. Es verdad que, pese a todo, aquella peli era rentable de partida, porque se contaba con la complicidad de los adeptos a las novelas, que son muchos. Sin embargo, yo soy de la opinión de que el interés es relativo, y puede despertarse contando una buena historia. El dinero no remedia un mal guión, pero un buen argumento puede compensar otras carencias. Bueno, a Mario Casas puede que no, a menos que vaya a un logopeda…

Continuará…

Penelope Cleese

penny.cleese@gmail.com

Entrega anterior de XENA:

Xena (I): La vagina dentada quijotesca.

Fueron los griegos los que lo inventaron, como casi todo. Me refiero al recurso narrativo del deus ex machina, expresión que se refiere al hecho de que, en una narración de cualquier tipo, sea literaria, dramática o audiovisual, hacer aparecer al final de la historia un recurso de carácter más o menos sobrenatural que resuelve la historia. El uso de este término es válido cuando esa resolución procede, por así decir, de algún tipo de explicación que los autores se han sacado de la manga, y que no guarda relación aparente con la historia que se nos estaba contando. Si el final de una historia es sorprendente, pero, de alguna manera, los autores nos han dado pistas a lo largo de su desarrollo (una técnica narrativa que se llama “diseminación recolectiva”) de que los tiros podían ir por ahí, no pasa nada, se trata de una resolución perfectamente válida. Pero cuando, de repente y sin aviso de ningún tipo, un elemento externo al universo de la narración en la que nos hallamos inmersos aparece y resuelve la historia, entonces nos hallamos frente a un clarísimo deus ex machina.

En la antigüedad clásica, este recurso fue así bautizado de manera literal: “dios desde la máquina”, puesto que los complejos argumentos se resolvían gracias a una deidad del panteón griego que descendía, gracias a un complejo sistema de arneses (la máquina) y revelaba a los protagonistas lo que necesitaban saber, cambiaba las situaciones para que se resolvieran favorablemente, juzgaba benévolamente a los protagonistas… Hoy en día, los deus ex machina se han vuelto algo más complejos y sofisticados. Algunos son muy burdos y evidentes (“Los Serrano era un sueño de Resines”), otros están bien disimulados y otros, como el que aquí me ocupa, son recurrentes en el tiempo y llegan a ponerse de moda (existen las modas cinematográficas, como la apocalíptica, o la de las invasiones extraterrestres, que ahora atravesamos con mayor o menor fortuna: Cloverfield, Super 8, Skyline (¡puaj!), Extraterrestre, Attack the block, Battle L.A., …). Me refiero al recurso de la esquizofrenia, que en tantas y tantas películas recientes hemos visto utilizada como mecanismo fácil para resolver un argumento enrevesado. Huelga decir que lo que sigue está llenito de spoilers…

Por supuesto, la más famosa película en utilizar este recurso fue Una mente maravillosa (A beautiful mind), el equivalente a El sexto sentido en sentar cátedra en cuanto a formas narrativas que después se repetirían. Todos conocemos, tras esta película, la historia del socialmente inadaptado matemático John Nash, posteriormente galardonado con el Premio Nobel. Más allá de la magnífica banda sonora de James Horner, una de las escenas sobre teoría matemática más divertidas que recuerdo, o de las omisiones y edulcoradas visiones sobre su biografía que nos ha dado Hollywood (¿pero por qué dejar que la verdad estropee una buena historia?), el principal problema de esta película es que, para un público no familiarizado con el personaje, la esquizofrenia irrumpe de repente y modifica por completo la historia que se nos estaba contando, que pasa de tratarse de un retrato de un personaje curioso a un film de misterio y conspiraciones, para acabar como un drama bastante sensiblero. Lo bueno de Una mente maravillosa, su acierto y lo que la aleja de las tramas de misterio que se sucedieron después sin criterio alguno, es que sí que nos da pistas, sí que tiene un cierto desarrollo lógico que nos permite, al menos, dudar de lo que está pasando, o, al menos, darnos cuenta al final de que algo deberíamos haber intuido, desde el aspecto físico del personaje a… bueno, a esto: 

Entre todas esas tramposas historias de misterio hay una que sí tiene interés, por varios motivos: Ventana secreta, dirigida por David Koepp. En primer lugar, esta basada en una novella de Stephen King, Secret window, secret garden. La historia es la siguiente: el escritor Mort Raney-Johnny Depp está recuperándose de su traumático divorcio en una aislada casita en el campo, cuando un misterioso y muy sureño John Turturro (Shooter) aparece en su puerta y comienza a acusarle de haberle robado una historia. Trouble ensues. Aparte del alarmante número de historias cortas o novelas de Stephen King que están protagonizadas por escritores que, de un modo u otro, se vuelven locos, (alguien debería hablar con ese hombre), es una película interesante. 

Para empezar, no se nos engaña. La progresión es relativamente lógica, nunca confiamos del todo en la salud mental del prota, y hay pistas a lo largo de toda la historia de lo que puede estar pasando (el juego de espejos…). El mismo trailer nos da una de ellas constantemente (“lo importante es el final, lo importante es el final”; en este caso, el final no destruye lo que hemos visto, sino que le da un nuevo sentido), e incluso el título, que con algo de retintín alude a esas “ventanas secretas” en la mente del escritor.

Pero es que además la historia es buena. Ya lo era en la versión escrita, pero, algo muy raro en mí, me inclino más por la película, que tiene un final mucho más valiente, y acaba como tal vez debería haber acabado la novella. Para empezar, King añade algunos (muy pocos) elementos sobrenaturales, mientras que en la película toda la responsabilidad recae sobre Mort Raney, y es, hasta cierto punto, realista. En fin, no os voy a contar el final. No, no os lo he estropeado. Aún podéis sorprenderos. 

¿Cuál es la conclusión? Que los deus ex machina son aceptables, siempre que A) No tomes al espectador por inepto y B) Me des pistas. Sí, pistas. Incluso en el Sexto Sentido hay pistas, y si no me creéis atentos al estratégico plano de Bruce Willis en el minuto 1:03 de este vídeo. ¿Casualidad? No lo creo.

El problema está en cuando este recurso, que en alguna ocasión fue original y ya no puede estar más visto, se utiliza para resolver una trama que, o “es un sueño”, o “pasó en tu mente”, o eso no hay dios que lo cierre. Es sólo un truco narrativo, muchas veces injustificable, que acaba cabreando al espectador. El primero de muchos. Avisados quedáis. 

Continuará…

Cpt. Flint Baker

cpt.flint.baker@gmail.com

Estos días se estrena una de esas películas que dada su procedencia generan cierto escepticismo al público desconocedor de su intra-historia. Alfonso Sánchez y Alberto López son dos humoristas sevillanos muy conocidos en las redes sociales. La estructura de sus trabajos es simple: unos cortometrajes de alrededor de 10 minutos en los que dos personajes charlan sobre la situación actual de la sociedad. Su magia radica en la creación de unos personajes hilarantes y unos guiones magistrales en los que predominan el humor local y la crítica más mordaz. Los compadres (sevillanos capillitas de pura cepa), y el Culebra y el Cabesa (canis: esa nueva rama de la sociedad juvenil transgresora que hace de la violencia su principal arma de persuasión) son sus personajes más reconocidos y aplaudidos. La pregunta que todos se hacen es: ¿puede hacerse un largometraje de esto? La respuesta está en los cines actualmente, e invito a todo el mundo a arriesgarse a verla, pues merece la pena.

#El Mundo es Nuestro es una película curiosa y pequeña (pequeña en duración, una hora y media, y pequeña en presupuesto). Puede enorgullecerse de ser la primera película estrenada en cines que ha sido financiada en parte por el sistema “crowdfunding” (donaciones particulares, es decir, el espectador tiene la posibilidad de invertir en un producto que le gusta), un sistema creado recientemente como alternativa a los actuales modelos de financiación. Al no ser un sistema consolidado tiene sus inconvenientes: no genera los suficientes fondos para crear un producto que compita con otros presupuestos. Esto, en este caso, se suple con pasión y fe en un gran guión humorístico que no da tregua al espectador y con una gran difusión por las redes sociales en las que este dúo se ha erigido como maestros del poder de convocatoria.

Ahora me gustaría contaros un poco de mi experiencia y aportación a esta película. El problema es que no quiero destriparos nada. De los FX visuales se ha encargado la empresa Background 3D, de la que formo parte, y nuestra aportación se ha centrado principalmente en correcciones de fallos en el rodaje: intrusión de micrófonos, reflejos no deseados o estabilizar el movimiento de cámara. Pero ha habido otros muchos auspiciados por exigencias de guión: insertar emisiones de TV en pantallas, algún que otro disparo de arma de fuego, recreación de zonas interiores vistas desde exteriores y clonación de multitudes, todos estos limitados por el presupuesto y el tiempo destinado a su ejecución. Alrededor de 160 planos con FX en apenas un mes. 

 Las series de televisión de hoy en día, sobre todo las que transcurren en la actualidad y en lugares reales, como CSI, Monk o Betty la Fea (versión norteamericana), tienen sus raciones de FX donde jamás creeríamos que hay. Hablamos de producciones con cientos de localizaciones y muchas veces se opta por grabar en los estudios y con la utilización de cromas (pantallas verdes) sustituir los fondos y de esta manera integrar a los actores en lugares reconocibles para el espectador. Mucho más barato, porque ruedas sin moverte de casa. En serio, lo de Betty la Fea es impresionante... 

Y luego están los FX que vemos pero no los catalogamos como tales por la sencilla razón de que los tenemos tan asumidos por narrativa que no les prestamos atención. Me refiero, por ejemplo, a integrar emisiones de TV en la pantalla del salón del protagonista (el actor realmente mira una pantalla apagada pero por magia del cine nosotros lo vemos a él viendo su programa favorito o una invasión alien), o los disparos de armas de fuego (Bruce Willis se lo pasa pipa matando malos en la ficción en Jungla de Cristal pero sus armas son de fogueo, hoy día, además, le añadimos fuego digital a los cañones para darles “realismo”). Si el protagonista observa por la mirilla de su rifle o de la puerta de su casa, nosotros vemos lo que él ve, incluso con la deformación de lente resultante de mirar por allí... falso también.

Como vemos, en el cine actual muy pocos planos de cualquier producción audiovisual están exentos de FX. Esto en ningún caso puede ser una crítica negativa pues el retoque del fotograma en postproducción se lleva realizando desde Méliès. Hay que verlo como algo necesario, los FX que no se ven vienen a ser los acentos en la escritura y como tales hay que tenerlos en cuenta.

Continuará... 

  Drender

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Entrega anterior de PELÍCULAS CON TRUCOS:

Películas con trucos I: Introducción

Estoy segura de que la mayoría de vosotros reconocería esta silueta en cualquier parte. Efectivamente, es Mary Poppins, la extraordinaria niñera que ha marcado la infancia de varias generaciones a ambos lados del Atlántico. Un personaje que ha saltado a la palestra en las últimas semanas de la mano de un proyecto que parece muy prometedor. Se trata de Saving Mr Banks, una película que pretende contar la odisea que fue para Walt Disney llevar al cine a la protagonista de las novelas de P.L. Travers.

Sí, habéis leído bien. Aunque en España no son especialmente conocidas, existe una serie de novelas juveniles que fueron muy populares entre los zagales angloparlantes de los años 30, 40 y 50 del siglo XX (hubo alguna más después, pero vino casi a rebufo de la película); historias que el bueno de Walt descubrió en la mesilla de su hija y que inmediatamente decidió llevar a la gran pantalla. Casi puedo imaginármelo, completamente absorto mientras venía a su cabeza una escena llena de color, personajes sonrientes y canciones (léase esto imaginando un bocadillo-pensamiento saliendo de la mollera de Walt).

Lo de Bert, supongo, es por dar un contrapunto a la estirada de Mary con un personaje divertido, más humano y que sirve de excusa para subir a los tejados y ponerse a bailar como locos con la canción con la que los hermanos Richard M. Y Robert B. Sherman (que compusieron 37 temas de los que se usaron finalmente 14) se llevaron el Oscar. Lo que me cuesta más entender, sobre todo teniendo en cuenta lo que es la tónica habitual en Disney, es por qué la amantísima madre se convierte en el cine en sufragista. No es propio de esta compañía meterse en berenjenales políticos, aunque bien es verdad que, en el momento del estreno, el voto femenino es algo ya muy superado. Quizás sea sólo una manera de ubicar la historia en el tiempo, o de dotar a la progenitora de un factor que la convierte en más alocada aún de lo que se le supone en los libros, como contrapunto con el padre, bastante más presente en el largometraje, tal vez para darle al mismo un punto más familiar e, incluso, aleccionador.

Puede que alguno de estos misterios se desvelen en Saving Mr Banks, si finalmente el proyecto llega a buen puerto. O no, porque ya sabemos cómo es esto de las licencias cinematográficas (que se lo digan a P.L. Travers…). De momento se sabe que el tejano John Lee Hancock (director de la última revisión de El Álamo) estará a cargo del proyecto, que contará con Tom Hanks para dar vida a Walt Disney y Emma Thompson para hacer de la escritora. También se ha hablado de Colin Farrell y alguno más, pero todo está muy en el aire. Lo que tengo claro es que David Tomlinson (estafadorzuelo de pacotilla en La bruja novata) no podrá encarnar de nuevo al señor Banks, como apunta IMDB. Más que nada, porque falleció en el año 2000 y sería raro… No sabemos quién será Mary Poppins. Eso sí: ha de ser prácticamente perfecta en todo.

Continuará…

Penelope Cleese
penny.cleese@gmail.com

Continuará...